SufferSands
- Гости
Здравствуйте.
Каждый раз, когда заходит речь о тяжёлой концептуальной электронике, то сразу после восторгов обсуждающие начинают изобретать велосипед. Индастриал как никакой другой жанр требует выработки стиля и зависим от дизайна, но при этом его приёмы не имеют такой популярности, как, к примеру, способы сделать "воблу как у Скриллекса". Каждый, кто решает делать индастриал, начинает свои изыскания с ноля.
Поэтому, чтобы упростить кому-нибудь задачу, я буду публиковать тут переводные статьи за авторством активных музыкантов, чей опыт нам может быть полезен. Периодически, возможно, буду рассказывать, что сам делаю для достижения того или иного эффекта.
Что вы можете сделать, чтобы эта тема жила? Расскажите о приёмах, которые позволяют делать ваш звук жирнее, жёстче, "индустриальнее". Расскажите о работе с семплами, создающими нужную нам атмосферу. Поделитесь названиями оборудования, которое нам поможет, и плагинами, дающими неожиданные и интересные эффекты. Поведайте, какие мелодические приёмы используете, как программируете ударные и что делаете с вокалом, что добиться характерного ударного звука.
Что тут не стОит делать. Обсуждать жанр как таковой, давать оценки группам, разводить личные разговоры. Для этого уже есть соответствующая тема.
Спасибо!
PS: У меня уже поинтересовались на предмет простых путей сделать "индустриально". Лёгких путей не бывает, за один день ничего не меняется, никаких техник 5-ти шагов в музыке не существует, которые бы позволили кому угодно вдруг начать делать тот же индастриал. Как и в любой другой музыке, нужна практика и длительное изучение вещей, на первый взгляд не имеющих отношения к предмету, но помогающих повысить культуру своей работы. Вот об этом я и буду писать.
Каждый раз, когда заходит речь о тяжёлой концептуальной электронике, то сразу после восторгов обсуждающие начинают изобретать велосипед. Индастриал как никакой другой жанр требует выработки стиля и зависим от дизайна, но при этом его приёмы не имеют такой популярности, как, к примеру, способы сделать "воблу как у Скриллекса". Каждый, кто решает делать индастриал, начинает свои изыскания с ноля.
Поэтому, чтобы упростить кому-нибудь задачу, я буду публиковать тут переводные статьи за авторством активных музыкантов, чей опыт нам может быть полезен. Периодически, возможно, буду рассказывать, что сам делаю для достижения того или иного эффекта.
Что вы можете сделать, чтобы эта тема жила? Расскажите о приёмах, которые позволяют делать ваш звук жирнее, жёстче, "индустриальнее". Расскажите о работе с семплами, создающими нужную нам атмосферу. Поделитесь названиями оборудования, которое нам поможет, и плагинами, дающими неожиданные и интересные эффекты. Поведайте, какие мелодические приёмы используете, как программируете ударные и что делаете с вокалом, что добиться характерного ударного звука.
Что тут не стОит делать. Обсуждать жанр как таковой, давать оценки группам, разводить личные разговоры. Для этого уже есть соответствующая тема.
Спасибо!
PS: У меня уже поинтересовались на предмет простых путей сделать "индустриально". Лёгких путей не бывает, за один день ничего не меняется, никаких техник 5-ти шагов в музыке не существует, которые бы позволили кому угодно вдруг начать делать тот же индастриал. Как и в любой другой музыке, нужна практика и длительное изучение вещей, на первый взгляд не имеющих отношения к предмету, но помогающих повысить культуру своей работы. Вот об этом я и буду писать.
Сообщение отредактировал SufferSands - Среда, 22.01.2014, 13:42
SufferSands
- Гости
Для начала я опубликую свой перевод заметки музыканта Caustic о ремиксах.
Материалы для ремикса номер 101: Как правильно собрать подборку исходников для ремикса.
Если ты занимаешься электронной музыкой, то наверняка либо сам делал на кого-то ремикс, либо ремикс делали на тебя. Да в какой бы группе ты не состоял, необходимость в ремиксах тебя не избежит. На текущий момент ремиксы – это основа существования многих жанров, и толково собранные исходники для ремикса помогут тем, кто взялся тебя миксовать, сделать это скорее, лучше, и с наименьшим количеством вопросов. Ниже я опишу 5 советов о том, как собрать такие исходники с умом.
1. КАЖДЫЙ ФАЙЛ ИСХОДНИКА ДОЛЖЕН БЫТЬ В МАКСИМАЛЬНО ДОСТУПНОМ КАЧЕСТВЕ.
Признаюсь честно: когда я впервые озаботился подборками исходников для ремикса, я выкладывал их в виде коротких музыкальных петель, пожатых в mp3, и считал, что этого вполне достаточно. В итоге музыкант, работающий с моими исходниками, вынужден миксовать в качестве ниже, чем у CD, и разбираться в куче музыкальных обрывков длиной 8-12 секунд. Я просто не имел представления, что от меня требуется. Не то, что теперь.
Тебе следует разбить свой файл на каналы, отрендерив каждый в отдельный wav при качестве не ниже 16bit/44kHz. Это гарантия, что ремикшер получит твои исходники с минимальными искажениями и что конечный микс получится более высокого качества. Внимание! Полученные файлы выходят намного больше, чем mp3, поэтому, собрав их все вместе, нелишне будет пожать каким-нибудь популярным архиватором, вроде WinZip.
2. КАЖДЫЙ ЭЛЕМЕНТ ПЕСНИ СЛЕДУЕТ РЕНДЕРИТЬ ОТ НАЧАЛА ПЕСНИ И ДО САМОГО ЕЁ КОНЦА.
Когда собираешь исходники, каждый элемент твоей оригинальной песни – гитары, синтезаторы, бас – следует отрендерить в отдельные wav-файлы (в максимально доступном качестве) целиком, с начала композиции до конца. Если гитара использовалась секунд 30, то в таком файле будет много тишины, но зато из такого файла можно легко восстановить оригинал со всеми его нюансами и без необходимости его выравнивать. В большинстве случаев оно не так важно, потому что ремикшеры всё равно выбросят всё, что посчитают неинтересным; но у меня бывали случаи, когда надо было точно знать расположение элементов композиции, чтобы изменить конструкцию трека как таковую – в таком случае инструменты, отрендеренные целиком очень помогают не запутаться. Кроме того, это позволяет мне сразу работать с отдельными частями композиции, не тратя время на восстановление оригинала из исходников, как картины из паззла.
Кроме того, поскольку многие предпочитают переделать дорожку с барабанами (а то и привлечь живого исполнителя), я разбиваю на отдельные треки и барабаны (то есть рендерю отдельно кик, отдельно снэйр, отдельно хай-хет, и так далее), чтобы ремикшеру было легко восстановить программу моих ударных. Но поскольку это сильно увеличивает набор для ремикса, то пусть каждый решает для себя, нужно оно ему или нет.
Ещё одно важное условие – ИМЕНУЙТЕ СВОИ ТРЕКИ! У меня бывали исходники, в которых каждый трек носил номер (00001, 00002 и так далее) безо всяких пояснений что в нём – барабаны ли, гитары или синтезаторы. Вот где зараза, особенно если тебе надо, чтобы разобраться, перебрать дорожек двадцать. Дайте людям знать, что содержат в себе эти дорожки, даже если название будет просто характеризовать звук (я неоднократно называл треки чем-то вроде «Ба-баааах!!!!»). Оно, может, и забавно выглядит со стороны, но функцию свою выполняет.
3. ВКЛАДЫВАЙ ПОЯСНИТЕЛЬНУЮ ИНФОРМАЦИЮ И МИДИ.
Даже если некоторые моменты твоей музыки для тебя очевидны (ты пишешь всегда строго в 110bpm и не меняешь тональности), они не так уж и очевидны для всех остальных. Хороший тон сразу дать о них знать ремикшеру, чтобы он не тормозил, разбираясь. Приложи пометку, содержащие BPM, тональность и размер (чаще всего это 4/4, но раз на раз не приходится).
Неплохо бывает приложить и midi, “Musical Instrument Digital Interface”, отдельным файлом. Проще говоря, это карта нот и всего остального, из чего твоя песня и состоит, исключая непосредственные инструменты и звуки, эти ноты играющие. Это основа твоей песни самого низкого, «сырого» уровня. Приложение midi значит, что ремикшер сможет использовать твою мелодию, назначив на неё другой инструмент. Ремикшеру это даст больше творческой свободы и контроля над результатом. А для тебя это значит, по большому счёту, что ремикс выйдет лучше и интереснее.
4. ПРИКЛАДЫВАЙ ОРИГИНАЛ ПЕСНИ (ЕСЛИ ТРЕБУЕТСЯ).
Некоторые ремикшеры отказываются знакомиться с оригиналом песни, полагая, что это сделает ремикс более своеобразным и независимым от исходника. Но в некоторых случаях хорошо бы приложить и свой оригинал в достойном качестве (хотя бы 256 kbps). Если он им не нужен, то удалить недолго, а если нужен, то твоя песня должна быть под рукой.
5. ПРИКЛАДЫВАЙ И «СУХУЮ», И ОБРАБОТАННУЮ ВЕРСИИ ВОКАЛА.
К вокалу обычно применяются эффекты вроде дилэя, ревербераций или дисторсий. Обработанная версия вокала – это то, что ты слышишь в своём финальном миксе. «Сухой» вокал – это запись с микрофона, к которой ещё не применены эффекты, то, что ты имеешь на руках прежде, чем сделать запись своего голоса крутой и/или отпугивающе ужасной. В набор для ремикса приложи обе версии, потому что хотя ты и считаешь свой вокал звучащим с эффектами лучше (или настолько комплексуешь, что считаешь себя необходимым утопить свой голос в эффектах), некоторые ремикшеры предпочитают обрабатывать твой голос по-своему. Как минимум заставить вокодер на уже обработанном вокале звучать прилично сложнее некуда. Или использовать автотюн. А если ты всё-таки берёшься использовать с ним автотюн, то лучше сразу убейся об стенку.
(перевод SufferSands, 2014)
Материалы для ремикса номер 101: Как правильно собрать подборку исходников для ремикса.
Если ты занимаешься электронной музыкой, то наверняка либо сам делал на кого-то ремикс, либо ремикс делали на тебя. Да в какой бы группе ты не состоял, необходимость в ремиксах тебя не избежит. На текущий момент ремиксы – это основа существования многих жанров, и толково собранные исходники для ремикса помогут тем, кто взялся тебя миксовать, сделать это скорее, лучше, и с наименьшим количеством вопросов. Ниже я опишу 5 советов о том, как собрать такие исходники с умом.
1. КАЖДЫЙ ФАЙЛ ИСХОДНИКА ДОЛЖЕН БЫТЬ В МАКСИМАЛЬНО ДОСТУПНОМ КАЧЕСТВЕ.
Признаюсь честно: когда я впервые озаботился подборками исходников для ремикса, я выкладывал их в виде коротких музыкальных петель, пожатых в mp3, и считал, что этого вполне достаточно. В итоге музыкант, работающий с моими исходниками, вынужден миксовать в качестве ниже, чем у CD, и разбираться в куче музыкальных обрывков длиной 8-12 секунд. Я просто не имел представления, что от меня требуется. Не то, что теперь.
Тебе следует разбить свой файл на каналы, отрендерив каждый в отдельный wav при качестве не ниже 16bit/44kHz. Это гарантия, что ремикшер получит твои исходники с минимальными искажениями и что конечный микс получится более высокого качества. Внимание! Полученные файлы выходят намного больше, чем mp3, поэтому, собрав их все вместе, нелишне будет пожать каким-нибудь популярным архиватором, вроде WinZip.
2. КАЖДЫЙ ЭЛЕМЕНТ ПЕСНИ СЛЕДУЕТ РЕНДЕРИТЬ ОТ НАЧАЛА ПЕСНИ И ДО САМОГО ЕЁ КОНЦА.
Когда собираешь исходники, каждый элемент твоей оригинальной песни – гитары, синтезаторы, бас – следует отрендерить в отдельные wav-файлы (в максимально доступном качестве) целиком, с начала композиции до конца. Если гитара использовалась секунд 30, то в таком файле будет много тишины, но зато из такого файла можно легко восстановить оригинал со всеми его нюансами и без необходимости его выравнивать. В большинстве случаев оно не так важно, потому что ремикшеры всё равно выбросят всё, что посчитают неинтересным; но у меня бывали случаи, когда надо было точно знать расположение элементов композиции, чтобы изменить конструкцию трека как таковую – в таком случае инструменты, отрендеренные целиком очень помогают не запутаться. Кроме того, это позволяет мне сразу работать с отдельными частями композиции, не тратя время на восстановление оригинала из исходников, как картины из паззла.
Кроме того, поскольку многие предпочитают переделать дорожку с барабанами (а то и привлечь живого исполнителя), я разбиваю на отдельные треки и барабаны (то есть рендерю отдельно кик, отдельно снэйр, отдельно хай-хет, и так далее), чтобы ремикшеру было легко восстановить программу моих ударных. Но поскольку это сильно увеличивает набор для ремикса, то пусть каждый решает для себя, нужно оно ему или нет.
Ещё одно важное условие – ИМЕНУЙТЕ СВОИ ТРЕКИ! У меня бывали исходники, в которых каждый трек носил номер (00001, 00002 и так далее) безо всяких пояснений что в нём – барабаны ли, гитары или синтезаторы. Вот где зараза, особенно если тебе надо, чтобы разобраться, перебрать дорожек двадцать. Дайте людям знать, что содержат в себе эти дорожки, даже если название будет просто характеризовать звук (я неоднократно называл треки чем-то вроде «Ба-баааах!!!!»). Оно, может, и забавно выглядит со стороны, но функцию свою выполняет.
3. ВКЛАДЫВАЙ ПОЯСНИТЕЛЬНУЮ ИНФОРМАЦИЮ И МИДИ.
Даже если некоторые моменты твоей музыки для тебя очевидны (ты пишешь всегда строго в 110bpm и не меняешь тональности), они не так уж и очевидны для всех остальных. Хороший тон сразу дать о них знать ремикшеру, чтобы он не тормозил, разбираясь. Приложи пометку, содержащие BPM, тональность и размер (чаще всего это 4/4, но раз на раз не приходится).
Неплохо бывает приложить и midi, “Musical Instrument Digital Interface”, отдельным файлом. Проще говоря, это карта нот и всего остального, из чего твоя песня и состоит, исключая непосредственные инструменты и звуки, эти ноты играющие. Это основа твоей песни самого низкого, «сырого» уровня. Приложение midi значит, что ремикшер сможет использовать твою мелодию, назначив на неё другой инструмент. Ремикшеру это даст больше творческой свободы и контроля над результатом. А для тебя это значит, по большому счёту, что ремикс выйдет лучше и интереснее.
4. ПРИКЛАДЫВАЙ ОРИГИНАЛ ПЕСНИ (ЕСЛИ ТРЕБУЕТСЯ).
Некоторые ремикшеры отказываются знакомиться с оригиналом песни, полагая, что это сделает ремикс более своеобразным и независимым от исходника. Но в некоторых случаях хорошо бы приложить и свой оригинал в достойном качестве (хотя бы 256 kbps). Если он им не нужен, то удалить недолго, а если нужен, то твоя песня должна быть под рукой.
5. ПРИКЛАДЫВАЙ И «СУХУЮ», И ОБРАБОТАННУЮ ВЕРСИИ ВОКАЛА.
К вокалу обычно применяются эффекты вроде дилэя, ревербераций или дисторсий. Обработанная версия вокала – это то, что ты слышишь в своём финальном миксе. «Сухой» вокал – это запись с микрофона, к которой ещё не применены эффекты, то, что ты имеешь на руках прежде, чем сделать запись своего голоса крутой и/или отпугивающе ужасной. В набор для ремикса приложи обе версии, потому что хотя ты и считаешь свой вокал звучащим с эффектами лучше (или настолько комплексуешь, что считаешь себя необходимым утопить свой голос в эффектах), некоторые ремикшеры предпочитают обрабатывать твой голос по-своему. Как минимум заставить вокодер на уже обработанном вокале звучать прилично сложнее некуда. Или использовать автотюн. А если ты всё-таки берёшься использовать с ним автотюн, то лучше сразу убейся об стенку.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Четверг, 23.01.2014, 04:47
SufferSands
- Гости
Автор - Том Шир, Assemblage 23
Работа с вокалом (часть 1-я).
Полагаю, сегодня хороший день, чтобы сравнить наши цепи эффектов, которые мы накладываем на вокал. Конечно, каждый трек требует своего подхода, но у всех у нас есть некая общая отправная точка, с которой мы обычно начинаем обработку.
Я пишу свой голос на микрофон AKG C-3000, который принадлежит мне уже целую вечность. Ничего в нём такого особенного нет, но по моему мнению с ним вокал начинает звучать приятнее, благодаря частотному смещению в середине спектра. Помогает легче сажать вокал в микс. Есть и минус: если у вашего вокалиста шепелявый или «плюющийся» голос, микрофон это выпятит.
Микрофон включён прямо в XLR-гнездо моего MOTU 828 mk II. Когда-нибудь для подобных целей было бы здорово заиметь производящую впечатление плату класса «хай-енд», но на текущий момент и моя со своей задачей справляется неплохо. Звучит очень натурально, что хорошо для отправной точки наложения эффектов.
Первое, что я делаю, когда несколько раз запишу свой голос – это собираю из лучших моментов каждой записи одну, «идеальную». Это даёт возможность легче работать в дальнейшем. На этом этапе нужно быть особенно внимательным с дефектами записи – ненужными шумами, щелчками, - и выбрасывать их сразу.
Первый эффект в моей цепи – эквалайзер. Единственная его функция – вырезать из вокала низкие частоты. Причина, по которой он идёт первым – я не хочу, чтобы эти частоты влияли на работу компрессора. Вообще, вырезать басы – это хорошая привычка, с которой надо начинать работу с любым каналом (кроме баса и кика, да и они ничего не потеряют, если отрезать всё, что ниже 40 Гц). Это сделает низы чище и даст массу пространства для манёвров в дальнейшем мастеринге.
На следующем шаге я применяю компрессор. Хотя у меня и есть LiquidMix, эмулирующий массу аналоговой классики, я предпочитаю встроенный в Pro Logic. Работает он аккуратно и чисто, не теряя внятности в звуке. Если мне нужен будет «характер», я всегда могу добавить его позднее. Обычно я компрессирую свой вокал довольно сильно, примерно 6:1 или 10:1, с сильным приглушением и относительно короткой атакой. Нет таких волшебных настроек, которые будут работать для всех. Тебе придётся посидеть и разобраться, что лучше подходит твоему вокалу.
После компрессора я накладываю ещё один эквалайзер. В отличие от предыдущего, который отрезал частоты, назначение этого – прибавлять. Я применяю его после компрессии, потому что моя задача – это подчеркнуть свойства уже сжатого сигнала. Мой опыт говорит, что так гораздо легче оставить результат не таким бросающимся в глаза, а процесс настройки – более тонким. Обычно я поднимаю частоты в районе 1500 Гц – это место обычно связывают с разборчивостью речи, и позволяет уложить вокал в микс, не выпячивая его громкость. А ещё поднять выше 10 кГц – это добавит голосу «воздуха». Поднимать громкость частот выше пары децибел обычно не требуется.
После второго эквалайзера идёт дилэй. Встроенный в Pro Logic дилэй позволяет отдельно управлять отставанием сигнала справа и слева по отдельности. Когда ты применяешь этот эффект, запись получается более «широкой». По-моему, результат не только выходит более приятный и профессионально звучащий, но и в микс укладывается легче. Использование дилэя не всегда оправдано, но это уже тебе решать.
Наконец, я использую пару send-эффектов, один из которых идёт в ревербератор, а второй – в дилэй. Настройки у меня всегда разные, но уровень их громкости не превосходит 20% от оригинала. Добавляет вокалу «пространства», не выпячиваясь. Поскольку сейчас модно оставлять вокал как можно более «сухим», смотрите на то, что предполагает контекст вашей музыкальной композиции.
(перевод SufferSands, 2014)
Работа с вокалом (часть 1-я).
Полагаю, сегодня хороший день, чтобы сравнить наши цепи эффектов, которые мы накладываем на вокал. Конечно, каждый трек требует своего подхода, но у всех у нас есть некая общая отправная точка, с которой мы обычно начинаем обработку.
Я пишу свой голос на микрофон AKG C-3000, который принадлежит мне уже целую вечность. Ничего в нём такого особенного нет, но по моему мнению с ним вокал начинает звучать приятнее, благодаря частотному смещению в середине спектра. Помогает легче сажать вокал в микс. Есть и минус: если у вашего вокалиста шепелявый или «плюющийся» голос, микрофон это выпятит.
Микрофон включён прямо в XLR-гнездо моего MOTU 828 mk II. Когда-нибудь для подобных целей было бы здорово заиметь производящую впечатление плату класса «хай-енд», но на текущий момент и моя со своей задачей справляется неплохо. Звучит очень натурально, что хорошо для отправной точки наложения эффектов.
Первое, что я делаю, когда несколько раз запишу свой голос – это собираю из лучших моментов каждой записи одну, «идеальную». Это даёт возможность легче работать в дальнейшем. На этом этапе нужно быть особенно внимательным с дефектами записи – ненужными шумами, щелчками, - и выбрасывать их сразу.
Первый эффект в моей цепи – эквалайзер. Единственная его функция – вырезать из вокала низкие частоты. Причина, по которой он идёт первым – я не хочу, чтобы эти частоты влияли на работу компрессора. Вообще, вырезать басы – это хорошая привычка, с которой надо начинать работу с любым каналом (кроме баса и кика, да и они ничего не потеряют, если отрезать всё, что ниже 40 Гц). Это сделает низы чище и даст массу пространства для манёвров в дальнейшем мастеринге.
На следующем шаге я применяю компрессор. Хотя у меня и есть LiquidMix, эмулирующий массу аналоговой классики, я предпочитаю встроенный в Pro Logic. Работает он аккуратно и чисто, не теряя внятности в звуке. Если мне нужен будет «характер», я всегда могу добавить его позднее. Обычно я компрессирую свой вокал довольно сильно, примерно 6:1 или 10:1, с сильным приглушением и относительно короткой атакой. Нет таких волшебных настроек, которые будут работать для всех. Тебе придётся посидеть и разобраться, что лучше подходит твоему вокалу.
После компрессора я накладываю ещё один эквалайзер. В отличие от предыдущего, который отрезал частоты, назначение этого – прибавлять. Я применяю его после компрессии, потому что моя задача – это подчеркнуть свойства уже сжатого сигнала. Мой опыт говорит, что так гораздо легче оставить результат не таким бросающимся в глаза, а процесс настройки – более тонким. Обычно я поднимаю частоты в районе 1500 Гц – это место обычно связывают с разборчивостью речи, и позволяет уложить вокал в микс, не выпячивая его громкость. А ещё поднять выше 10 кГц – это добавит голосу «воздуха». Поднимать громкость частот выше пары децибел обычно не требуется.
После второго эквалайзера идёт дилэй. Встроенный в Pro Logic дилэй позволяет отдельно управлять отставанием сигнала справа и слева по отдельности. Когда ты применяешь этот эффект, запись получается более «широкой». По-моему, результат не только выходит более приятный и профессионально звучащий, но и в микс укладывается легче. Использование дилэя не всегда оправдано, но это уже тебе решать.
Наконец, я использую пару send-эффектов, один из которых идёт в ревербератор, а второй – в дилэй. Настройки у меня всегда разные, но уровень их громкости не превосходит 20% от оригинала. Добавляет вокалу «пространства», не выпячиваясь. Поскольку сейчас модно оставлять вокал как можно более «сухим», смотрите на то, что предполагает контекст вашей музыкальной композиции.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Четверг, 23.01.2014, 04:41
SufferSands
- Гости
Автор - Bones из Novakill
Обработка вокала для живых выступлений (часть 1-я).
Что тебе надо, так это найти хороший гитарный дисторшн в виде педали. Самый лучший, что у меня был – это стомп-бокс Marshall голубого цвета, отлично подходит для искажения вокала. Кто-то украл его (или я сам его потерял)на концерте, и точное название вспомнить я уже не смогу. Так что с тех пор я использую педаль Ibanez, она тоже вполне подходит.
Чтобы бороться с фидбеком (эффектом самовозбуждения звуковых волн, свист из динамиков, если подойти к ним с микрофоном слишком близко, неизбежная штука при использовании искажений) педаль подключена напрямую к Behringer SHARK, в котором есть встроенная функция notch-фильтрации возвратного сигнала (Feedback Destroyer). Тебе не нужно ничего делать, аппарат работает сам по себе, сканирует частоты, на которых случается фидбек, и удаляет их при необходимости. Незаменимая штука при живняке.
В текущий период я приспосабливаю под свои вокальные нужды мой новый Line 6 Pod. Идущая с аппаратом утилитка Gearbox позволяет использовать не только целую тучу эмулированных на железном уровне усилителей и кабинетов, но и множество педалей дисторсии. При желании, можно докупить к нему ещё эмуляторов. Работает оно вне акустический системы ОС Windows с практически нулевой задержкой сигнала. Я включаю свой микрофон прямо в Shark, а провод от Shark идёт в мой Line 6 POD Studio KB37. KB37 имеет две педали, которые я использую, чтобы переключать пресеты для отдельных своих песен. Это позволяет, сохранив их один раз, не думать о перенастройке аппарата на живых выступлениях.
Если оно тебе не надо, в линейке товаров Line 6 есть более дешёвый UX-2 или UX-1, или совсем уж копеечный GX. По-моему, это отличный выход для желающих обзавестись «железом».
(перевод SufferSands, 2014)
Обработка вокала для живых выступлений (часть 1-я).
Что тебе надо, так это найти хороший гитарный дисторшн в виде педали. Самый лучший, что у меня был – это стомп-бокс Marshall голубого цвета, отлично подходит для искажения вокала. Кто-то украл его (или я сам его потерял)на концерте, и точное название вспомнить я уже не смогу. Так что с тех пор я использую педаль Ibanez, она тоже вполне подходит.
Чтобы бороться с фидбеком (эффектом самовозбуждения звуковых волн, свист из динамиков, если подойти к ним с микрофоном слишком близко, неизбежная штука при использовании искажений) педаль подключена напрямую к Behringer SHARK, в котором есть встроенная функция notch-фильтрации возвратного сигнала (Feedback Destroyer). Тебе не нужно ничего делать, аппарат работает сам по себе, сканирует частоты, на которых случается фидбек, и удаляет их при необходимости. Незаменимая штука при живняке.
В текущий период я приспосабливаю под свои вокальные нужды мой новый Line 6 Pod. Идущая с аппаратом утилитка Gearbox позволяет использовать не только целую тучу эмулированных на железном уровне усилителей и кабинетов, но и множество педалей дисторсии. При желании, можно докупить к нему ещё эмуляторов. Работает оно вне акустический системы ОС Windows с практически нулевой задержкой сигнала. Я включаю свой микрофон прямо в Shark, а провод от Shark идёт в мой Line 6 POD Studio KB37. KB37 имеет две педали, которые я использую, чтобы переключать пресеты для отдельных своих песен. Это позволяет, сохранив их один раз, не думать о перенастройке аппарата на живых выступлениях.
Если оно тебе не надо, в линейке товаров Line 6 есть более дешёвый UX-2 или UX-1, или совсем уж копеечный GX. По-моему, это отличный выход для желающих обзавестись «железом».
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Пятница, 24.01.2014, 09:22
Asdeandare
- Гости
Обработка вокала.
Прочитав опубликованную выше статью от Assemblage 23, хочу дополнить его советы и дать конкретные рекомендации именно по фруктам. Не очень люблю писать статьи, 4 часа своей жизни, и совсем не факт, что это вообще кому-либо понадобится. Так что если все-же найдется заинтересованный читатель, дайте знать плиз! =) Почти все нижеизложенное я взял из личного опыта, и поэтому не ручаюсь за рентабельность применения этих методик. Лишь хочу помочь начинающим индустриальщикам не изобрести велосипед по десятому кругу, как это делал я сам на протяжении почти 5 лет, а с самого старта начать свой путь в нужном направлении.
Говорить буду именно про обработку экстрим-вокала, применяемого в электронном индастриале, будь то скрим, гоблинский фальцет (не знаю, как это правильно зовется) либо просто крик. Первое правило индустриальщика – не стесняйтесь своего голоса. Каким бы ужасным и смешным он вам не казался, под массой эффектов его никто не узнает. Нужно только попадать в ритм и четко «провокаливать» каждое слово, ведь под жесткими эффектами текст может стать недоступным слушателю. Поэтому у записанного чистого (или сухого, как принято говорить) голоса должен быть своеобразный запас разборчивости.
Вывод: прямо сейчас берите любой имеющийся под рукой микрофон, начинайте экспериментировать с голосом, записывайтесь и применяйте описанные методики. Поехали!
Компрессия. Сложной компрессии для голоса не требуется, так что я использую Fruity Compressor. Он простой, с ним легко подружиться, стоит лишь прочитать какую-нибудь статейку про компрессоры, или даже просто пощелкать готовые пресеты и понаблюдать за функционалом крутёлок.
P.S. Перед компрессией не забываем срезать с голоса бас, подойдет любой эквалайзер.
Прорисовка. Для эквализации вокала после компрессии я использую EQUO. Причины тому две. Во-первых, в этом эквалайзере сразу видны по амплитудам основные рабочие частоты вашего голоса. Причем можно подчеркивать определенные слоги, которые недостаточно хорошо разборчивы за записи, или наоборот, приглушать их, если они выпрыгивают. Во-вторых, EQUO работает достаточно деликатно, не давая испортить натуральность звучания голоса.
Индустриализация :)) Ну вот, голос мы старательно вычистили, прорисовали, увеличили запас разборчивости, а теперь пора взять и … все аккуратно изгадить.
Для утяжеления индустриального вокала инструмент номер один – это, конечно, дисторшен. Дисторшен можно брать любой. От стандартного Fruity Fast Dist до различных гитарных пакетов в стиле Guitar Rig. Каждый плагин имеет свои характеристики и придаст голосу свой неповторимый оттенок. Дисторшен добавляет кучу шумовых гармоник в вокале, делает его экспрессивным, тяжелым, ревущим прямо в уши. Сильно перебарщивать этим эффектом не стоит, так как помимо придания голосу мощи он значительно снижает разборчивость текста. Тут уж стоит определиться, что для вас важнее. Если у вас хороший текст, который хочется донести до сознания слушателя, то придется пожертвовать «тяжестью» звучания.
Обратите внимание! Когда вы следите за разборчивостью при обработке вокала, всегда держите в голове поправку на то, что вы, скорее всего, хорошо знаете текст, и если вам вокал в миксе после обработки дисторшеном может показаться вполне понятным, то для незнающего текст слушателя половина слов окажутся загадкой. Поэтому после обработки голоса я всегда даю послушать свою работу другому человеку для независимой оценки.
Вместе с дисторшеном, для максимизации жёсткости вокала, нелишним будет применение плагина Fruity Squeeze. Причем в зависимости от настройки, сквизер может как ухудшать разборчивость, так и улучшать её за счёт создания экстремального резонанса на определенных частотах. По своему опыту могу сказать, что если у вас каличная аппаратура (свои первые треки мы писали на микрофон за 15 уёв, напрямую воткнутый к комп), то он может немного спасти ситуацию, но как панацею его воспринимать не стоит. Экспериментируя с этим инструментом, можно получить весьма неожиданные эффекты голоса. Сквизер я лично применял как перед дисторшем, так и после него, все зависит опять-таки от его настройки.
Обратите внимание! Оба этих эффекта нельзя применять после наложения эха, так как эхо при искажении дает муть и грязь.
Очень часто эбиемщики и даркэлектрики опускают pitch своего вокала, тогда он становится похож на голос какого-то демона из фильма. С этим тоже стоит побаловаться. Можно, например, сделать копию (даже и не одну) дорожки с вокалом, пустить её параллельно основному, и только тогда опускать частоту.
Ну вот, допустим, вся эта отпонтовка завершилась успешно. Вокал звучит сурово, но пока как-то сухо и совсем без объёма. Поэтому пришло время добавить дилэй, хорус или стереорасширение, а можно и все вместе, главное без фанатизма.
Дилэй. Дилэй является самым распространенным эффектом для голоса, и индастриал – не исключение. Его применение не обязательно, дело вкуса, но он способен прибавить вокалу объёмности звучания, атмосферности и некоторой драматичности. Длина хвоста эха дилэя обратно пропорциональна плотности и жесткости музыки, т.е. чем тяжелее музыка, тем более короткий дилэй вешаем на голос. Объясняется это тем, что длинный хвост эха, ввиду того, что он обычно тише самого вокала, будет тонуть в музыке. А при увеличении громкости эффекта он начнет глушить музыку и выпирать из микса, что тоже не есть хорошо. Работающие с очень жёстким звуком коллективы, такие как Alien Vampires, обычно не применяют дилэй, чтобы не иметь проблем конфликта вокала и музыки. Я люблю стандартный Fruity Delay 2, и это опять за простоту. Обычно ставлю громкость эха чуть больше половины громкости основного. Длину и время задержки, а также разбивку на левый-правый каналы – по вкусу.
Стереорасширитель. Осталось разбросать наш вокал по панораме, чтобы он звучал широко и круто. Для этого обычно я беру стандартный Fruity Stereo Enhancer (угадайте почему =D). Помимо простоты, он не исказит стереофазу, что, например, легко сделает Fruity Stereo Shaper. Не хочу ругать шэйпер, он прикольно слушается на инструментах, просто для вокала я не рекомендую его применять.
Хорус. Вот тут пришло время сказать: я не люблю стандартный Fruity Chorus. Я совсем не отрицаю тот факт, что мои руки растут не из того места, но у меня никогда не получалось добиться от этого плагина нужного мне эффекта. Я полюбил Classic Chorus, некогда найденный на просторах интернета. Причем я применяю его не только для голоса, но и для всех инструментов при надобности. Этим хорусом легко добавить вокалу влажности, плюс он дает отличное расширение по стерео. Поэтому применять его со стереорасширителем не стоит – масло масляное, на мой взгляд.
Обратите внимание! Расширяя вокал не смущайтесь, если он слегка сместится в один бок. Многие исполнители так делают, например уже упомянутые Alien Vampires, или Hocico. Точно не знаю, зачем это делается, но я заметил, что при этом голос гораздо меньше конфликтует с ударными.
Подведем итог. Я обрабатываю голос в таком порядке:
1. эквалайзер
2. компрессор
3. ещё эквалайзер
4. дисторшен, сквиз и прочие исказители
5. дилэй и/или ревербератор
6. стереорасширитель или хорус
Но индастриал подразумевает постоянное отклонение от всяческих правил, поэтому берите этот алгоритм за основу и экспериментируйте с порядком эффектов, наблюдайте, как они влияют друг на друга. Творите!
Спасибо большое всем, кто прочитал! Отдельное спасибо SufferSands за открытие темы и за интересный материал. Если я что-то наврал, пишите ниже, буду рад принять к сведению.
(автор: Asdeandare, 24.01.2014)
Прочитав опубликованную выше статью от Assemblage 23, хочу дополнить его советы и дать конкретные рекомендации именно по фруктам. Не очень люблю писать статьи, 4 часа своей жизни, и совсем не факт, что это вообще кому-либо понадобится. Так что если все-же найдется заинтересованный читатель, дайте знать плиз! =) Почти все нижеизложенное я взял из личного опыта, и поэтому не ручаюсь за рентабельность применения этих методик. Лишь хочу помочь начинающим индустриальщикам не изобрести велосипед по десятому кругу, как это делал я сам на протяжении почти 5 лет, а с самого старта начать свой путь в нужном направлении.
Говорить буду именно про обработку экстрим-вокала, применяемого в электронном индастриале, будь то скрим, гоблинский фальцет (не знаю, как это правильно зовется) либо просто крик. Первое правило индустриальщика – не стесняйтесь своего голоса. Каким бы ужасным и смешным он вам не казался, под массой эффектов его никто не узнает. Нужно только попадать в ритм и четко «провокаливать» каждое слово, ведь под жесткими эффектами текст может стать недоступным слушателю. Поэтому у записанного чистого (или сухого, как принято говорить) голоса должен быть своеобразный запас разборчивости.
Вывод: прямо сейчас берите любой имеющийся под рукой микрофон, начинайте экспериментировать с голосом, записывайтесь и применяйте описанные методики. Поехали!
Компрессия. Сложной компрессии для голоса не требуется, так что я использую Fruity Compressor. Он простой, с ним легко подружиться, стоит лишь прочитать какую-нибудь статейку про компрессоры, или даже просто пощелкать готовые пресеты и понаблюдать за функционалом крутёлок.
P.S. Перед компрессией не забываем срезать с голоса бас, подойдет любой эквалайзер.
Прорисовка. Для эквализации вокала после компрессии я использую EQUO. Причины тому две. Во-первых, в этом эквалайзере сразу видны по амплитудам основные рабочие частоты вашего голоса. Причем можно подчеркивать определенные слоги, которые недостаточно хорошо разборчивы за записи, или наоборот, приглушать их, если они выпрыгивают. Во-вторых, EQUO работает достаточно деликатно, не давая испортить натуральность звучания голоса.
Индустриализация :)) Ну вот, голос мы старательно вычистили, прорисовали, увеличили запас разборчивости, а теперь пора взять и … все аккуратно изгадить.
Для утяжеления индустриального вокала инструмент номер один – это, конечно, дисторшен. Дисторшен можно брать любой. От стандартного Fruity Fast Dist до различных гитарных пакетов в стиле Guitar Rig. Каждый плагин имеет свои характеристики и придаст голосу свой неповторимый оттенок. Дисторшен добавляет кучу шумовых гармоник в вокале, делает его экспрессивным, тяжелым, ревущим прямо в уши. Сильно перебарщивать этим эффектом не стоит, так как помимо придания голосу мощи он значительно снижает разборчивость текста. Тут уж стоит определиться, что для вас важнее. Если у вас хороший текст, который хочется донести до сознания слушателя, то придется пожертвовать «тяжестью» звучания.
Обратите внимание! Когда вы следите за разборчивостью при обработке вокала, всегда держите в голове поправку на то, что вы, скорее всего, хорошо знаете текст, и если вам вокал в миксе после обработки дисторшеном может показаться вполне понятным, то для незнающего текст слушателя половина слов окажутся загадкой. Поэтому после обработки голоса я всегда даю послушать свою работу другому человеку для независимой оценки.
Вместе с дисторшеном, для максимизации жёсткости вокала, нелишним будет применение плагина Fruity Squeeze. Причем в зависимости от настройки, сквизер может как ухудшать разборчивость, так и улучшать её за счёт создания экстремального резонанса на определенных частотах. По своему опыту могу сказать, что если у вас каличная аппаратура (свои первые треки мы писали на микрофон за 15 уёв, напрямую воткнутый к комп), то он может немного спасти ситуацию, но как панацею его воспринимать не стоит. Экспериментируя с этим инструментом, можно получить весьма неожиданные эффекты голоса. Сквизер я лично применял как перед дисторшем, так и после него, все зависит опять-таки от его настройки.
Обратите внимание! Оба этих эффекта нельзя применять после наложения эха, так как эхо при искажении дает муть и грязь.
Очень часто эбиемщики и даркэлектрики опускают pitch своего вокала, тогда он становится похож на голос какого-то демона из фильма. С этим тоже стоит побаловаться. Можно, например, сделать копию (даже и не одну) дорожки с вокалом, пустить её параллельно основному, и только тогда опускать частоту.
Ну вот, допустим, вся эта отпонтовка завершилась успешно. Вокал звучит сурово, но пока как-то сухо и совсем без объёма. Поэтому пришло время добавить дилэй, хорус или стереорасширение, а можно и все вместе, главное без фанатизма.
Дилэй. Дилэй является самым распространенным эффектом для голоса, и индастриал – не исключение. Его применение не обязательно, дело вкуса, но он способен прибавить вокалу объёмности звучания, атмосферности и некоторой драматичности. Длина хвоста эха дилэя обратно пропорциональна плотности и жесткости музыки, т.е. чем тяжелее музыка, тем более короткий дилэй вешаем на голос. Объясняется это тем, что длинный хвост эха, ввиду того, что он обычно тише самого вокала, будет тонуть в музыке. А при увеличении громкости эффекта он начнет глушить музыку и выпирать из микса, что тоже не есть хорошо. Работающие с очень жёстким звуком коллективы, такие как Alien Vampires, обычно не применяют дилэй, чтобы не иметь проблем конфликта вокала и музыки. Я люблю стандартный Fruity Delay 2, и это опять за простоту. Обычно ставлю громкость эха чуть больше половины громкости основного. Длину и время задержки, а также разбивку на левый-правый каналы – по вкусу.
Стереорасширитель. Осталось разбросать наш вокал по панораме, чтобы он звучал широко и круто. Для этого обычно я беру стандартный Fruity Stereo Enhancer (угадайте почему =D). Помимо простоты, он не исказит стереофазу, что, например, легко сделает Fruity Stereo Shaper. Не хочу ругать шэйпер, он прикольно слушается на инструментах, просто для вокала я не рекомендую его применять.
Хорус. Вот тут пришло время сказать: я не люблю стандартный Fruity Chorus. Я совсем не отрицаю тот факт, что мои руки растут не из того места, но у меня никогда не получалось добиться от этого плагина нужного мне эффекта. Я полюбил Classic Chorus, некогда найденный на просторах интернета. Причем я применяю его не только для голоса, но и для всех инструментов при надобности. Этим хорусом легко добавить вокалу влажности, плюс он дает отличное расширение по стерео. Поэтому применять его со стереорасширителем не стоит – масло масляное, на мой взгляд.
Обратите внимание! Расширяя вокал не смущайтесь, если он слегка сместится в один бок. Многие исполнители так делают, например уже упомянутые Alien Vampires, или Hocico. Точно не знаю, зачем это делается, но я заметил, что при этом голос гораздо меньше конфликтует с ударными.
Подведем итог. Я обрабатываю голос в таком порядке:
1. эквалайзер
2. компрессор
3. ещё эквалайзер
4. дисторшен, сквиз и прочие исказители
5. дилэй и/или ревербератор
6. стереорасширитель или хорус
Но индастриал подразумевает постоянное отклонение от всяческих правил, поэтому берите этот алгоритм за основу и экспериментируйте с порядком эффектов, наблюдайте, как они влияют друг на друга. Творите!
Спасибо большое всем, кто прочитал! Отдельное спасибо SufferSands за открытие темы и за интересный материал. Если я что-то наврал, пишите ниже, буду рад принять к сведению.
(автор: Asdeandare, 24.01.2014)
SufferSands
- Гости
Asdeandare, спасибо, что отписались. Большая работа! Но есть одна пометка:
и Fruity Stereo Shaper, и Fruity Stereo Enhancer работают по одному и тому же алгоритму, известному ещё с битловских времён: они сдвигают копию оригинального звукового сигнала на короткое время, от 1 до 15 мс в среднем. По причине того, что наша голова по эху и фазовым искажениям определяет габариты и положение предметов в комнате, то такой приём создают иллюзию большей "ширины". Разумеется, когда мы накладываем сигнал сам на себя, фазовых проблем не может не быть, как ни крути) Единственный способ сохранить моносовместимость, расширяя стереобазу - это использовать кросскодировщики "Mid/Side-Left/Right".
В отличие от описанных выше "расширителей", кросскодеры переводят обычный сигнал, состоящий из правого и левого канала, в сумму среддинного (L+R) и периферийного (L-R) сигналов, с которыми можно работать отдельно, а по окончанию работы - вернуть их без потерь обратно в обычное стерео. Банальным увеличением громкости периферийного сигнала можно значительно усилить стерео. Делают подобное бесплатные Voxego MSED или RescueMK2 от Bootsy.
и Fruity Stereo Shaper, и Fruity Stereo Enhancer работают по одному и тому же алгоритму, известному ещё с битловских времён: они сдвигают копию оригинального звукового сигнала на короткое время, от 1 до 15 мс в среднем. По причине того, что наша голова по эху и фазовым искажениям определяет габариты и положение предметов в комнате, то такой приём создают иллюзию большей "ширины". Разумеется, когда мы накладываем сигнал сам на себя, фазовых проблем не может не быть, как ни крути) Единственный способ сохранить моносовместимость, расширяя стереобазу - это использовать кросскодировщики "Mid/Side-Left/Right".
В отличие от описанных выше "расширителей", кросскодеры переводят обычный сигнал, состоящий из правого и левого канала, в сумму среддинного (L+R) и периферийного (L-R) сигналов, с которыми можно работать отдельно, а по окончанию работы - вернуть их без потерь обратно в обычное стерео. Банальным увеличением громкости периферийного сигнала можно значительно усилить стерео. Делают подобное бесплатные Voxego MSED или RescueMK2 от Bootsy.
SufferSands
- Гости
Том Шир, Assemblage 23
Синтез – это просто. (часть 1-я)
Рассказ я хочу начать с интересного факта. Если ты увлекаешься синтезаторами, то наверняка его знаешь. В начале 80-х, к моменту, когда печально известный Yamaha DX-7 был в ходу уже пару лет, компания стала получать массу заявок на ремонт синтезатора. Через какое-то время, ремонтируя аппараты, технический отдел заметил нечто странное. Не смотря на то, что синтезатор предложил массу новых возможностей по сравнению со старыми аналоговыми, почти во всех из них встроенный банк звуков оказался нетронутым. Никто из пользователей не пытался запрограммировать свои звуки.
Всё это можно списать на неочевидную систему программирования и сохранения заготовок на DX-7. Но у меня вызывает большое удивление, что большинство известных мне музыкантов пользуются пресетами, в лучшем случае немного их изменяя, даже на относительно простых аналоговых синтезаторах. По-моему, это как ездить на итальянском спорткаре и никогда не набирать скорость выше 30 миль в час. Поймите меня правильно: в использовании заготовок нет ничего зазорного. Подходящий звучок в композиции останется таким вне зависимости от способа его получения. Но иногда люди просто боятся, как это часто бывается, разбираться в неочевидном и зарываться в теории.
Так что в ближайшем 10-ке статей я постараюсь объяснить теорию синтеза максимально легко и понятно. Как только вы освоите основы, то сможете программировать на практически любом существующем синтезаторе.
(перевод SufferSands, 2014)
Синтез – это просто. (часть 1-я)
Рассказ я хочу начать с интересного факта. Если ты увлекаешься синтезаторами, то наверняка его знаешь. В начале 80-х, к моменту, когда печально известный Yamaha DX-7 был в ходу уже пару лет, компания стала получать массу заявок на ремонт синтезатора. Через какое-то время, ремонтируя аппараты, технический отдел заметил нечто странное. Не смотря на то, что синтезатор предложил массу новых возможностей по сравнению со старыми аналоговыми, почти во всех из них встроенный банк звуков оказался нетронутым. Никто из пользователей не пытался запрограммировать свои звуки.
Всё это можно списать на неочевидную систему программирования и сохранения заготовок на DX-7. Но у меня вызывает большое удивление, что большинство известных мне музыкантов пользуются пресетами, в лучшем случае немного их изменяя, даже на относительно простых аналоговых синтезаторах. По-моему, это как ездить на итальянском спорткаре и никогда не набирать скорость выше 30 миль в час. Поймите меня правильно: в использовании заготовок нет ничего зазорного. Подходящий звучок в композиции останется таким вне зависимости от способа его получения. Но иногда люди просто боятся, как это часто бывается, разбираться в неочевидном и зарываться в теории.
Так что в ближайшем 10-ке статей я постараюсь объяснить теорию синтеза максимально легко и понятно. Как только вы освоите основы, то сможете программировать на практически любом существующем синтезаторе.
(перевод SufferSands, 2014)
SufferSands
- Гости
А теперь от меня лично.
"Индустриальные" VSTi инструменты.
От индустриальных инструментов обычно требуется то, что считается злом у всех других - грязь и нежелательная окраска. Сегодня я представлю три подборки бесплатных инструментов, разработанных действующими индустриальщиками, знающими, что им нужно.
1. Всё, что есть на сайте Novakill в разделе "killerz". Лично я особенно рекомендую:
NITROUS PD
(image)
- 2 phase-distortion осциллятора
- овердрайв
- гейт-секвенсер
- случайная модуляция для более живого звука
- 2 огибающих
ULTRAKILLER
(image)
- субтрактивный и виртуально-аналоговый синтез
- режимы SPECTRAL и UNISON
- матрица модуляции
- гейт с овердрайвом
- звук и масса настроек на уровне дорогих коммерческих синтезаторов
RIPSNORTER
(image)
- режим SWEEP и UNISON
- овердрайв, дисторшн и резонатор можно включить одновременно
- встроенный расширитель стереобазы
KILLERGATE
(image)
- гейт с овердрайвом и возможностью случайного наложения эффектов.
2. VSTi за авторством Noisebud
Бесплатные, отличаются ориентацией на грязный звук и использование живьём.
BURT
(image)
Басовый синтезатор, ориентированный на искажённый, грубый звук
BOMPA
(image)
Барабанный и басовый сатуратор/овердрайв.
BINVERT
(image)
Синтезатор бас-барабана со встроенным модификатором фазы, резонатором и специфическим дисторшном.
3. VEMBERAUDIO, плагины от участников группы "BURIKUSU!!!"
Отличный бесплатный многофункциональный, полностью мультитембовый сэмплер SHORTCIRCUIT
(image)
Там же есть отличный синтезатор Surge, но за него заряжают 100 евро.
На этот раз пока всё.
"Индустриальные" VSTi инструменты.
От индустриальных инструментов обычно требуется то, что считается злом у всех других - грязь и нежелательная окраска. Сегодня я представлю три подборки бесплатных инструментов, разработанных действующими индустриальщиками, знающими, что им нужно.
1. Всё, что есть на сайте Novakill в разделе "killerz". Лично я особенно рекомендую:
NITROUS PD
(image)
- 2 phase-distortion осциллятора
- овердрайв
- гейт-секвенсер
- случайная модуляция для более живого звука
- 2 огибающих
ULTRAKILLER
(image)
- субтрактивный и виртуально-аналоговый синтез
- режимы SPECTRAL и UNISON
- матрица модуляции
- гейт с овердрайвом
- звук и масса настроек на уровне дорогих коммерческих синтезаторов
RIPSNORTER
(image)
- режим SWEEP и UNISON
- овердрайв, дисторшн и резонатор можно включить одновременно
- встроенный расширитель стереобазы
KILLERGATE
(image)
- гейт с овердрайвом и возможностью случайного наложения эффектов.
2. VSTi за авторством Noisebud
Бесплатные, отличаются ориентацией на грязный звук и использование живьём.
BURT
(image)
Басовый синтезатор, ориентированный на искажённый, грубый звук
BOMPA
(image)
Барабанный и басовый сатуратор/овердрайв.
BINVERT
(image)
Синтезатор бас-барабана со встроенным модификатором фазы, резонатором и специфическим дисторшном.
3. VEMBERAUDIO, плагины от участников группы "BURIKUSU!!!"
Отличный бесплатный многофункциональный, полностью мультитембовый сэмплер SHORTCIRCUIT
(image)
Там же есть отличный синтезатор Surge, но за него заряжают 100 евро.
На этот раз пока всё.
Сообщение отредактировал SufferSands - Воскресенье, 26.01.2014, 07:33
SufferSands
- Гости
Том Шир, Assemblage 23
Синтез – это просто. (часть 2-я).
Помните, я говорил, что, освоив принципы синтеза, мы сможем программировать практически на любом синтезаторе? Это правда. Часть синтезаторов, понятно, использует неочевидные интерфейсы, но процентов 90 – это вариации на один и тот же не такой уж сложный механизм.
Большинство синтезаторов использует принцип так называемого субтрактивного синтеза. Говоря по-простому, звучание такого синтеза складывается из источника волны (осциллятора, OSCILLATOR), тональное содержимое которого производится вычитанием частот (через FILTER) а смена громкости (или амплитуда, AMP) происходит под управлением нехитрого автоматизированного контроллера (т.н. огибающей, ENVELOPE). Как просто, да? Это кирпичик, из которого строится тембр большинства нынешних синтезаторов. Даже цифровой синтезатор, ромплер или волновой реконструктор (wavetable synth) используют ту же терминологию. Некоторые принципы формирования звука, вроде аддитивного или FM-синтеза несколько отличаются, но они и сложнее по устройству, поэтому мы рассмотрим их позже. Прежде, чем бегать, научись ходить пешком.
Разумеется, большинство синтезаторов используют надстройки над описанным принципом, но если ты поймёшь, из чего складывается звучание синтезатора, а также модуляцию (MODULATION, это значит динамическое изменение в каком-либо параметре), то узнаешь достаточно, чтобы синтезировать нужные тебе звуки. В следующий раз разберём осцилляторы.
(перевод SufferSands, 2014)
Синтез – это просто. (часть 2-я).
Помните, я говорил, что, освоив принципы синтеза, мы сможем программировать практически на любом синтезаторе? Это правда. Часть синтезаторов, понятно, использует неочевидные интерфейсы, но процентов 90 – это вариации на один и тот же не такой уж сложный механизм.
Большинство синтезаторов использует принцип так называемого субтрактивного синтеза. Говоря по-простому, звучание такого синтеза складывается из источника волны (осциллятора, OSCILLATOR), тональное содержимое которого производится вычитанием частот (через FILTER) а смена громкости (или амплитуда, AMP) происходит под управлением нехитрого автоматизированного контроллера (т.н. огибающей, ENVELOPE). Как просто, да? Это кирпичик, из которого строится тембр большинства нынешних синтезаторов. Даже цифровой синтезатор, ромплер или волновой реконструктор (wavetable synth) используют ту же терминологию. Некоторые принципы формирования звука, вроде аддитивного или FM-синтеза несколько отличаются, но они и сложнее по устройству, поэтому мы рассмотрим их позже. Прежде, чем бегать, научись ходить пешком.
Разумеется, большинство синтезаторов используют надстройки над описанным принципом, но если ты поймёшь, из чего складывается звучание синтезатора, а также модуляцию (MODULATION, это значит динамическое изменение в каком-либо параметре), то узнаешь достаточно, чтобы синтезировать нужные тебе звуки. В следующий раз разберём осцилляторы.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Понедельник, 27.01.2014, 17:27
SufferSands
- Гости
Том Шир, Assemblage 23
Синтез – это просто. (часть 2-я).
Начнём с аналогии. Вообразите, что украшаете торт. Сам по себе торт уже готов и остыл, ваша задача – интересно его задекорировать. В вашем распоряжении есть крема, сахарная пудра, дольки фруктов, орехи, а то и – чем чорт не шутит – огурцы с марципанами. Сочетая всё это в разных пропорциях можно получить массу разных тортов.
В этом случае торт – это метафора роли ОСЦИЛЛЯТОРА в синтезе. Осциллятор – это то, с чего ты начинаешь звуковой дизайн, генератор звука как таковой. Он может сгенерировать простую аудиоволну, сыграть заранее записанную, он даже может играть целую серию разных волн, но во всех этих случаях его роль – производить сырой звук. Наша дальнейшая задача – используя возможности синтезатора (как украшения для торта), вылепить из стандартной волны тот звук, который нужен нам.
Надо упомянуть кое-что, с чем вы столкнётесь, используя разные синтезаторы: производители любят давать разные имена одному и тому же. Вы можете увидеть, как осцилляторы зовутся генераторами, VCO, DCO, источником, голосом (внося путаницу в термины, потому что полифония тоже измеряется голосами). Большинство существующих синтезаторов давно не производят звук из «настоящего» осциллятора, но «осциллятор» - общепринятый термин для генераторов простой волны. Не дайте маркетологам вас обмануть. Осциллятор легко узнать по его функции, и не смотреть на то, какое новое имя ему придумано.
Если бы все осцилляторы производили одну и ту же волну, было бы скучно, поэтому производители обычно предлагают выбрать генерируемую ФОРМУ ВОЛНЫ (WAVEFORM). На классических синтезаторах они именуются по форме осциллограммы этой фолны. Волны бывают таких типов: ПИЛА (SAW), КВАДРАТ (SQUARE или PULSE), ТРЕУГОЛЬНАЯ (TRIANGLE) и СИНУСОИДА(SINUS). С развитием технологии синтезирования были придуманы способы произвести волны промежуточных и других форм, расширяя количество возможных вариантов до сотен, но классические названия до сих пор в ходу и являются основными.
ПИЛА производит ясный, жужжащий, гармонически богатый звук. Звук пилы считается одним из самых «жирных» и хорош для струнных, лидов, падов, да и всего остального, откровенно говоря. Это хорошая «служебная» форма волны, с который ты будешь начинать программирование синтезаторов в большинстве случаев. Пример пилы можно услышать ниже.
КВАДРАТ (он же ПУЛЬС) – тоже даёт ясный звук, но результат намного беднее гармонически, глуше, чем у пилы. Он хорош для колокольчиков, басов (особенно в музыке жанров «хаус» и «техно»), оргАнов, флейт.
Многие синтезаторы предлагают дополнительный контроль для квадратной волны, называемый МОДУЛЯЦИЯ ШИРИНЫ ПУЛЬСАЦИЙ (PULSE WIDTH MODULATION, PWM). Он позволяет получить более жирный и сложный гармонически звук, в реальном времени сжимая или расширяя «ширину» генерации квадратной волны. Такой подход хорош для симуляции гитар или изменяемых по времени лидов, но используется, в основном, для получания так любимых дилетантами фрацузских трансовых лидов.
ТРЕУГОЛЬНАЯ волна звучит намного более мягко. Посвоим характеристикам она находится где-то между квадратной и синусоидальной волнами. Треугольник хорош для падов, мягких электрических пианино, фоновых колокольчиков, флей и подобных звуков, от которых не требуется особая яркость.
СИНУСОИДА – это самая простая из волн, она состоит ровно из одной гармоники. Как и можно ожидать, она ещё мягче треугольной волны и тоже хороша для тихих звуков. Синусоида, кстати, повсеместно используется в электронной музыке для суббасов и синтеза специфически звучащих барабанов.
Я уже почти слышу, как мне говорят: «Том, ты красавчик, но что-то бедно звучат твои волны, и на бас из свежих клубных хитов совсем не похож!» Разумеется, для подобных задач решение будет сложнее, и в следующий раз мы разберём использование нескольких осцилляторов одновременно.
(перевод SufferSands, 2014)
Синтез – это просто. (часть 2-я).
Начнём с аналогии. Вообразите, что украшаете торт. Сам по себе торт уже готов и остыл, ваша задача – интересно его задекорировать. В вашем распоряжении есть крема, сахарная пудра, дольки фруктов, орехи, а то и – чем чорт не шутит – огурцы с марципанами. Сочетая всё это в разных пропорциях можно получить массу разных тортов.
В этом случае торт – это метафора роли ОСЦИЛЛЯТОРА в синтезе. Осциллятор – это то, с чего ты начинаешь звуковой дизайн, генератор звука как таковой. Он может сгенерировать простую аудиоволну, сыграть заранее записанную, он даже может играть целую серию разных волн, но во всех этих случаях его роль – производить сырой звук. Наша дальнейшая задача – используя возможности синтезатора (как украшения для торта), вылепить из стандартной волны тот звук, который нужен нам.
Надо упомянуть кое-что, с чем вы столкнётесь, используя разные синтезаторы: производители любят давать разные имена одному и тому же. Вы можете увидеть, как осцилляторы зовутся генераторами, VCO, DCO, источником, голосом (внося путаницу в термины, потому что полифония тоже измеряется голосами). Большинство существующих синтезаторов давно не производят звук из «настоящего» осциллятора, но «осциллятор» - общепринятый термин для генераторов простой волны. Не дайте маркетологам вас обмануть. Осциллятор легко узнать по его функции, и не смотреть на то, какое новое имя ему придумано.
Если бы все осцилляторы производили одну и ту же волну, было бы скучно, поэтому производители обычно предлагают выбрать генерируемую ФОРМУ ВОЛНЫ (WAVEFORM). На классических синтезаторах они именуются по форме осциллограммы этой фолны. Волны бывают таких типов: ПИЛА (SAW), КВАДРАТ (SQUARE или PULSE), ТРЕУГОЛЬНАЯ (TRIANGLE) и СИНУСОИДА(SINUS). С развитием технологии синтезирования были придуманы способы произвести волны промежуточных и других форм, расширяя количество возможных вариантов до сотен, но классические названия до сих пор в ходу и являются основными.
ПИЛА производит ясный, жужжащий, гармонически богатый звук. Звук пилы считается одним из самых «жирных» и хорош для струнных, лидов, падов, да и всего остального, откровенно говоря. Это хорошая «служебная» форма волны, с который ты будешь начинать программирование синтезаторов в большинстве случаев. Пример пилы можно услышать ниже.
КВАДРАТ (он же ПУЛЬС) – тоже даёт ясный звук, но результат намного беднее гармонически, глуше, чем у пилы. Он хорош для колокольчиков, басов (особенно в музыке жанров «хаус» и «техно»), оргАнов, флейт.
Многие синтезаторы предлагают дополнительный контроль для квадратной волны, называемый МОДУЛЯЦИЯ ШИРИНЫ ПУЛЬСАЦИЙ (PULSE WIDTH MODULATION, PWM). Он позволяет получить более жирный и сложный гармонически звук, в реальном времени сжимая или расширяя «ширину» генерации квадратной волны. Такой подход хорош для симуляции гитар или изменяемых по времени лидов, но используется, в основном, для получания так любимых дилетантами фрацузских трансовых лидов.
ТРЕУГОЛЬНАЯ волна звучит намного более мягко. Посвоим характеристикам она находится где-то между квадратной и синусоидальной волнами. Треугольник хорош для падов, мягких электрических пианино, фоновых колокольчиков, флей и подобных звуков, от которых не требуется особая яркость.
СИНУСОИДА – это самая простая из волн, она состоит ровно из одной гармоники. Как и можно ожидать, она ещё мягче треугольной волны и тоже хороша для тихих звуков. Синусоида, кстати, повсеместно используется в электронной музыке для суббасов и синтеза специфически звучащих барабанов.
Я уже почти слышу, как мне говорят: «Том, ты красавчик, но что-то бедно звучат твои волны, и на бас из свежих клубных хитов совсем не похож!» Разумеется, для подобных задач решение будет сложнее, и в следующий раз мы разберём использование нескольких осцилляторов одновременно.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Четверг, 30.01.2014, 14:17
SufferSands
- Гости
Майкл Артур Холлоуэй, Dead When I Found Her
Об "индустриальных" барабанах.
Каждый знаток индастриала старой школы в курсе, что неотъемлемой его составной частью является характерное звучание барабанов. И их тембр, и манера игры на них настолько характерны, что по первым паттернам можно узнать жанр. Они большие, они жирные, они давят, игра на барабанах непредсказуема и изощрённа. Хотя иногда мы и слышим стандартный ритм в 4/4, чаще мы обнаруживаем многослойные синкопированные ритмы, которые, минуя мейнстримовые клише, создают специфический, заразительный ритм (здесь ещё кто-нибудь помнит «Addiction»?)
Если мы с вами совпадаем во взглядах, то вам наверняка печально видеть, что большинство современного индастриала ушло совсем в другие степи. Сегодняшний индустриальный бой чаще формируется из типовых трансовых ударных, перемежающимися со шлёпающими пластиковыми снэйрами. А что ещё хуже, всё это стремиться выстроиться в 4/4 безо всяких вариаций.
Но я хочу не ругать современную сцену, а рассказать, как добиться классического барабанного звука.
1. Управление барабанами.
Я крайне избирателен в подходе к программированию барабанов. На сегодня мой идеал в этом деле – барабанный рэк Ableton Live. Хорош он тем, что прямо в секции инструментов можно навешать нужных мне эффектов, загрузить нужные мне семплы из библиотеки барабанов (которая в последнее время безобразно разрослась), и всё это сильно экономит время.
Конечно, инструменты вроде Maschine или Battery тоже позволяют использовать свои семплы и использовать эффекты. Но набор встроенных эффектов мал, а чтобы применить свои, нужно разметить отдельные каналы на разные выходы и развести их в микшере, что стоит и времени, и порядка.
Важно заметить, что в большинстве случаев нелишне использовать (или создать свои) синтезированные барабаны. Для таких целей я почти всегда использую прекрасный плагин Microtonic от Sonic Charge.
Замечание: если вам нужны индустриальные барабаны, то бросьте искать в интернете готовые решения, толку в этом никакого. То есть вы, конечно, найдёте какой-нибудь «Industrial Kit» под маркой которого будет что-нибудь, больше подходящее стилям глитч, транс, хаус или техно.
2. С какими семплами мы будем работать.
На самом деле этот и следующий разделы самые важные. Чем бы вы ни пользовались, ваши барабаны никогда не зазвучат достаточно индустриально, если а) вы не используете семплы достойного качества и б) не знаете, как строить цепочки эффектов и что они вам дают (бывают случаи, когда эффекты превращают последовательность унылых семплов винтересно звучащий артефакт, но надеяться на подобное нет никакого смысла). Ищите т.н. one-shots, одиночные барабанные семплы, потому что разбирать на части готовые барабанные петли – неординарная задача, которую трудно выполнить без дефектов. Если лично я использую готовые лупы, то стараюсь наложить сильную эквализацию и эффекты и всегда пускаю задним планом, чтобы создать ощущение дополнительного движения в композиции.
В отношении того, какие семплы нам нужны, у меня есть свой секрет. Хотите верьте, хотите нет, но лучшие индустриальные барабаны выходят из семплов поп-музыки 80-х. Взятые либо из готовых семпл-паков в стиле 80-х или семплированные из поп-песен, после обработки дисторшном, реверберацией и гейтом они становятся первоклассным материалом. Логично, ведь индустриальная сцена, развившись в 80-х, создавала свою контр-культуру, отталкиваясь от мейнстрима и тогдашней поп-сцены и делая всё «наоборот». Если взять трек Джанет Джексон «Rhythm Nation», убрать из него всё, типичное для большой эстрады, то оставшееся – барабаны в первую очередь – отлично впишутся в альбом «Mind: The Perpetual Intercourse» или «Front By Front».
Большая часть характерных ударных – результат работы классических драм-машин, работающих на коротких семплах, которые после череды модуляций дают типичный для своего времени звук. Например, LinnDrum, один из самых первых и культовых, чьи семплы в поп-музыке можно встретить до сих пор (если хотите иметь точное представление, как звучит LinnDrum, послушайте альбом Prince’а 199-го года). Концепция гибридного подхода, с семплами и синтезом, пришла к создания «рабочих станций» , главным воплощением которых стал Korg M1 1988 года. Отличная эмуляция этого аппарата входит в программный пакет KORG Legacy Collection: Digital. Даже первый осмотр даст вам целый спектр узнаваемых барабанов. Полностью синтезированные барабаны тоже заслужили своё место в индастриале, особенно с выходом Roland Beatbox. Подобные использует «Skinny Puppy» на протяжении всей своей истории, но синтетические барабаны не дают нужного абразивного звука, поэтому обойтись только ими не выйдет (если только ты не Cevin Key в 1985 году и совершенно точно не знаешь, какие эффекты и в каком порядке наложить, чтобы получить злобное рубилово).
Пояснение только что подключившимся: я рассказываю, как приблизиться к классическому индустриальному звуку. Если оно не является вашей задачей и вы знаете, что делать, то можете использовать любые семплы, которые попадутся вам под руку. Можете даже использовать такую банальность, как TR-808 или TR-909.
3. Технологии обработки.
Тут можно написать целую книгу, но я расскажу только о том, что позволит добавить вашим барабанам именно «индустриального» звучания.
А) Реверберация с гейтом.
Говорят, этот трюк придумал звукорежиссёр Фила Коллинза, но результат активно использовался в индустриальной музыке 80-90-х. Обычно подобный эффект применяют на «снэйр», но если у вашего «кика» много «тела» в средних частотах, эффект можно применить и к нему (не забудьте тогда примешать к звуку бас-барабана дополнительный щелчок для атаки). Суть трюка проста:проведите звук нужного барабана через ревербератор с большими настройками, а потом примените гейт, чтобы обрезать реверберационные «хвосты». Результат добавляет барабану широты и хлопка, резко обрываясь, что делает его пригодным для серии ударов. Если применяете подобный эффект к бас-барабану, примешайте к его звуку щелчок на средних частотах (или добавить щелчок к изначальному звуку с помощью эквалайзера), тогда барабан сохранит атаку, а результат получит интересное звучание. Если вам интересно, как оно выглядит со стороны, можете ознакомиться с композицией «Deadlines» от Skinny Puppy.
Б) Параллельная компрессия.
Также именуемая нью-йоркской компрессией. Пошлите звук барабанов по двум каналам, на второй поставьте компрессор, назначив ему большой коэффициент сжатия, примерно 4:1 или выше. После компрессора наложите эквалайзер и вырежьте середине, потому что нам нужен дополнительный «удар» на верхах и в басу. Threshold настраивайте по вкусу, но обычно это примерно -20 дБ. Теперь следует уменьшить громкость компрессируемого сигнала примерно до половины оригинала, чтобы результат примешивался, добавляя барабанам характера, но не давил исходный сигнал. Параллельная компрессия с примешиванием к оригинальному сигналу не то же самое, что компрессия сигнала наполовину, это важно.
В) Добавьте шума!
Есть целая пачка цифровых средств креативно испортить ваши барабаны. Если речь про индастриал, использование толкового дисторшн-процессора – половина успеха. Лично я совсем не сторонник радикальных значений в искажении сигнала, которое можно услышать в пауэр нойзе и его поджанрах, предпочитая искажать звук понемногу, ровно настолько, чтобы добавить барабанам нужных мне характеристик. Лично моя рекомендация для таких целей – это детище сумрачного французского гения, конторы Ohmforce – мегаплагин «Ohmicide». Это многополосный сатуратор-дисторшн, о котором без толку рассказывать – его надо попробовать.
(перевод SufferSands, 2014)
Об "индустриальных" барабанах.
Каждый знаток индастриала старой школы в курсе, что неотъемлемой его составной частью является характерное звучание барабанов. И их тембр, и манера игры на них настолько характерны, что по первым паттернам можно узнать жанр. Они большие, они жирные, они давят, игра на барабанах непредсказуема и изощрённа. Хотя иногда мы и слышим стандартный ритм в 4/4, чаще мы обнаруживаем многослойные синкопированные ритмы, которые, минуя мейнстримовые клише, создают специфический, заразительный ритм (здесь ещё кто-нибудь помнит «Addiction»?)
Если мы с вами совпадаем во взглядах, то вам наверняка печально видеть, что большинство современного индастриала ушло совсем в другие степи. Сегодняшний индустриальный бой чаще формируется из типовых трансовых ударных, перемежающимися со шлёпающими пластиковыми снэйрами. А что ещё хуже, всё это стремиться выстроиться в 4/4 безо всяких вариаций.
Но я хочу не ругать современную сцену, а рассказать, как добиться классического барабанного звука.
1. Управление барабанами.
Я крайне избирателен в подходе к программированию барабанов. На сегодня мой идеал в этом деле – барабанный рэк Ableton Live. Хорош он тем, что прямо в секции инструментов можно навешать нужных мне эффектов, загрузить нужные мне семплы из библиотеки барабанов (которая в последнее время безобразно разрослась), и всё это сильно экономит время.
Конечно, инструменты вроде Maschine или Battery тоже позволяют использовать свои семплы и использовать эффекты. Но набор встроенных эффектов мал, а чтобы применить свои, нужно разметить отдельные каналы на разные выходы и развести их в микшере, что стоит и времени, и порядка.
Важно заметить, что в большинстве случаев нелишне использовать (или создать свои) синтезированные барабаны. Для таких целей я почти всегда использую прекрасный плагин Microtonic от Sonic Charge.
Замечание: если вам нужны индустриальные барабаны, то бросьте искать в интернете готовые решения, толку в этом никакого. То есть вы, конечно, найдёте какой-нибудь «Industrial Kit» под маркой которого будет что-нибудь, больше подходящее стилям глитч, транс, хаус или техно.
2. С какими семплами мы будем работать.
На самом деле этот и следующий разделы самые важные. Чем бы вы ни пользовались, ваши барабаны никогда не зазвучат достаточно индустриально, если а) вы не используете семплы достойного качества и б) не знаете, как строить цепочки эффектов и что они вам дают (бывают случаи, когда эффекты превращают последовательность унылых семплов винтересно звучащий артефакт, но надеяться на подобное нет никакого смысла). Ищите т.н. one-shots, одиночные барабанные семплы, потому что разбирать на части готовые барабанные петли – неординарная задача, которую трудно выполнить без дефектов. Если лично я использую готовые лупы, то стараюсь наложить сильную эквализацию и эффекты и всегда пускаю задним планом, чтобы создать ощущение дополнительного движения в композиции.
В отношении того, какие семплы нам нужны, у меня есть свой секрет. Хотите верьте, хотите нет, но лучшие индустриальные барабаны выходят из семплов поп-музыки 80-х. Взятые либо из готовых семпл-паков в стиле 80-х или семплированные из поп-песен, после обработки дисторшном, реверберацией и гейтом они становятся первоклассным материалом. Логично, ведь индустриальная сцена, развившись в 80-х, создавала свою контр-культуру, отталкиваясь от мейнстрима и тогдашней поп-сцены и делая всё «наоборот». Если взять трек Джанет Джексон «Rhythm Nation», убрать из него всё, типичное для большой эстрады, то оставшееся – барабаны в первую очередь – отлично впишутся в альбом «Mind: The Perpetual Intercourse» или «Front By Front».
Большая часть характерных ударных – результат работы классических драм-машин, работающих на коротких семплах, которые после череды модуляций дают типичный для своего времени звук. Например, LinnDrum, один из самых первых и культовых, чьи семплы в поп-музыке можно встретить до сих пор (если хотите иметь точное представление, как звучит LinnDrum, послушайте альбом Prince’а 199-го года). Концепция гибридного подхода, с семплами и синтезом, пришла к создания «рабочих станций» , главным воплощением которых стал Korg M1 1988 года. Отличная эмуляция этого аппарата входит в программный пакет KORG Legacy Collection: Digital. Даже первый осмотр даст вам целый спектр узнаваемых барабанов. Полностью синтезированные барабаны тоже заслужили своё место в индастриале, особенно с выходом Roland Beatbox. Подобные использует «Skinny Puppy» на протяжении всей своей истории, но синтетические барабаны не дают нужного абразивного звука, поэтому обойтись только ими не выйдет (если только ты не Cevin Key в 1985 году и совершенно точно не знаешь, какие эффекты и в каком порядке наложить, чтобы получить злобное рубилово).
Пояснение только что подключившимся: я рассказываю, как приблизиться к классическому индустриальному звуку. Если оно не является вашей задачей и вы знаете, что делать, то можете использовать любые семплы, которые попадутся вам под руку. Можете даже использовать такую банальность, как TR-808 или TR-909.
3. Технологии обработки.
Тут можно написать целую книгу, но я расскажу только о том, что позволит добавить вашим барабанам именно «индустриального» звучания.
А) Реверберация с гейтом.
Говорят, этот трюк придумал звукорежиссёр Фила Коллинза, но результат активно использовался в индустриальной музыке 80-90-х. Обычно подобный эффект применяют на «снэйр», но если у вашего «кика» много «тела» в средних частотах, эффект можно применить и к нему (не забудьте тогда примешать к звуку бас-барабана дополнительный щелчок для атаки). Суть трюка проста:проведите звук нужного барабана через ревербератор с большими настройками, а потом примените гейт, чтобы обрезать реверберационные «хвосты». Результат добавляет барабану широты и хлопка, резко обрываясь, что делает его пригодным для серии ударов. Если применяете подобный эффект к бас-барабану, примешайте к его звуку щелчок на средних частотах (или добавить щелчок к изначальному звуку с помощью эквалайзера), тогда барабан сохранит атаку, а результат получит интересное звучание. Если вам интересно, как оно выглядит со стороны, можете ознакомиться с композицией «Deadlines» от Skinny Puppy.
Б) Параллельная компрессия.
Также именуемая нью-йоркской компрессией. Пошлите звук барабанов по двум каналам, на второй поставьте компрессор, назначив ему большой коэффициент сжатия, примерно 4:1 или выше. После компрессора наложите эквалайзер и вырежьте середине, потому что нам нужен дополнительный «удар» на верхах и в басу. Threshold настраивайте по вкусу, но обычно это примерно -20 дБ. Теперь следует уменьшить громкость компрессируемого сигнала примерно до половины оригинала, чтобы результат примешивался, добавляя барабанам характера, но не давил исходный сигнал. Параллельная компрессия с примешиванием к оригинальному сигналу не то же самое, что компрессия сигнала наполовину, это важно.
В) Добавьте шума!
Есть целая пачка цифровых средств креативно испортить ваши барабаны. Если речь про индастриал, использование толкового дисторшн-процессора – половина успеха. Лично я совсем не сторонник радикальных значений в искажении сигнала, которое можно услышать в пауэр нойзе и его поджанрах, предпочитая искажать звук понемногу, ровно настолько, чтобы добавить барабанам нужных мне характеристик. Лично моя рекомендация для таких целей – это детище сумрачного французского гения, конторы Ohmforce – мегаплагин «Ohmicide». Это многополосный сатуратор-дисторшн, о котором без толку рассказывать – его надо попробовать.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Понедельник, 03.02.2014, 08:47
SufferSands
- Гости
Дэниел Грейвз, Aesthetic Perfection.
На фиг индастриал!
Обычно я провожу будни одинаково: сижу перед компьютером, делаю ремиксы, пишу новые песни… Но иногда есть настроение полазать по Фейсбуку и посмотреть, что происходит в жизни моих 199 френдов. Сегодняшнее бестолковое рыскание в сети привело меня к статье в журнале «I Die:You Die», которая самым топорным способом вопит, что «на индустриальной сцене грядёт революция!» Автор видит её признаки во многих вещах, с некоторыми из которых я даже согласен, но его доводы о возрождении индустриальной сцены настолько наивны, что я решил набросать свои на эту тему мысли. Хотя я многим кажусь пессимистом, я вижу и светлые стороны жизни. И, как человек, объездивший полсвета и видевший нашу маленькую сцену с разных углов, мои мысли могут быть полезны.
Во-первых, я сразу скажу, что сегодня не очень близок т.н. «индустриальной сцене». Я вышел из тёмной электроники, она дала мне платформу, чтобы самовыразиться и сколотить свою группу. Но сначала, как и во многих других субкультурах, первое, с чем я столкнулся – это снобизм тех, кто полагает, будто принадлежность к закрытому сообществу делает тебя менее конформистом, чем интерес в мейнстриме. Я про то, что какие бы шмотки ты не одевал, какую бы музыку не слушал, если оно не отражает твой внутренний мир на все 100 процентов, то это всего лишь маска и обман. Пальцев не хватит, чтобы перечислить все те разы, когда ко мне презрительно обращались по поводу того, что я вполне позитивно отношусь к отдельному хип-хопу, и сколько раз на меня бросали мутные взгляды за попытки слушать Мадонну, чтобы настроиться на нужную волну. Я в принципе не могу понять такую ограниченность в людях, претендующих на широту взглядов.
Но меня несёт не туда. Я статью пишу, а не жалуюсь на сцену.
Так вот, автор той статьи предлагает 5 доводов, первый из которых – это открытие клуба Complex в Лос-Анджелесе как символ оживления индустриальной сцены. Во-первых, я люблю Complex, мне нравится его концепция и атмосфера. Я был там много раз, владелец клуба - мой хороший знакомый. Но давайте быть реалистами. Лос-анджелесская сцена всегда была отличной. С времён, когда я подделывал возраст на документах, чтобы попасть в Nocturne и Dungeon, и по сей день, когда Aesthetic Perfection собирает больше 800 человек в клубе Das Bunker (самое большое количество народа, какое нам когда-либо удавалось собрать!), я всегда вижу у публики энергию и энтузиазм. Так что открытие клуба Complex – это итог развития североамериканской сцены, а неё её начало. Я даже берусь утверждать, что если подобный клуб откроется где-то ещё, то быстро обанкротится.
Продолжается статья утверждением про наши фестивали. Лично мне хотелось спросить: «Э, а ты вообще бывал в Европе?» Ежегодное количество участников Wave Gothic Treffen – 20000 человек, M’Era Luna – 25000. Я участвовал во всех 3-х профильных фестивалях Америки. Я знаком со всеми их промоутерами, все они – прекрасные люди, готовые вкладывать деньги в сцены во имя высокой цели. И всё равно, ровнять наши и даже немецкие фестивали – абсолютно глупая затея.
Удивительный автор продолжает тем, что видит признаки грядущего оживления в возрождении классических групп колдвейва. Хотя мне радостно видеть, что старички ещё могуть дать жару, лично я бы предпочёл новые лица. Для заслуженных товарищей всегда найдётся заработок, учитывая их заслуги в прошлом, но наша цель – смотреть в будущее.
Следующим шагом статья утверждает, что возвращение Skinny Puppy на полностью индустриальный лейбл каким-то образом хорошо для сцены. Что их вера в лейбл – это признак его упрочившихся позиций. Лично мне кажется, что эти вещи вообще привязаны не к месту. Metropolis – самый подходящий лейбл для таких артистов, так что ничего удивительного в их контракте нет, можно расслабиться. Я знаю, что Metropolis предоставляет артистам такую свободу и поддержку, о которой можно только мечтать, а последний альбом SP вышел очень интересным. Так что я рад их союзу, но на состояние нашей сцены это не влияет, тем паче в контексте мировой сцены. И тут оказывается, что последний альбом Skinny Puppy не выйдет в Европе! Sonic Seducer цитирует издателя, что европейский слушатель больше не готов ни слушать, ни платить за эксперименты SP, поэтому SPV (немецкий музыкальный издатель) не лицензировал запись для распространения.
Примечание: мне сообщили, что последний альбом Skinny Puppy всё же выйдет в Европе силами более мелких энтузиастов.
Последний довод статьи был в том, что растущее поголовье любителей minimal synth, dark alternative, new new wave или как ещё зовут своё творчество эти хипстерские бригады, позитивно скажется и на нашей сцене. Моё предсказание – этого 100% не случится. Моё грубое наблюдение говорит мне, что мы имеем дело с хипстерами, а хипстеры ещё большие снобы и элитисты, чем завсегдатаи индустриальной сцены. Тот факт, что кому-то из нас нравится то, что делает кто-то из них, едва ли их обрадует. Я подозреваю, что как только на нашей сцене начнут заимствовать их трюки, хипстеры придумают что-то новое и удалятся ещё больше. В этом же и состоит суть бытия хипстеров! Другое моё подозрение подсказывает, что так к нам отнесутся большинство субкультур, и это одна из причин, по которой индустриальная сцена так замкнута и вот уже который год остановилась в развитии.
Вы удивитесь, если узнаете, насколько сильно изменится к вам отношение в негативную сторону, как только вы скажете, что играете индастриал. Вы удивитесь тому, как быстро ваше творчество откажутся рассмотреть в журнале, вы удивитесь, как быстро ваше демо отправится в помойку у авторов блогов вроде Pitchfork. Многим кажется, что это следствие ненависти толп к тяжёлой электронике. Но если мы посмотрим трезво, то увидим, что тяжёлая электроника расходится на ура. Skrillex – тяжёлая музыка, Trust – угрюмая, а Grimes – мрачная. Что на мой взгляд действительно нас сдерживает, так это ужасное качество большей части нашей музыки. Ужасно сведённая, ужасно сыгранная, с ужасным текстом – а задор, который нам это прощал, кончился ещё в 90-х и начале 0-х. Дизайн важнее смысла, эго важнее умеренности, тяга сказать своё слово нынче начисто раздавлена страхом не быть принятым сообществом. Попробуйте вспомнить другие жанры, в которых вокалист так мало значит для звучания группы. Попробуйте вспомнить индустриальные группы, по голосу вокалистов которых вы легко узнаете их из десятка подобных. Много вспомнить не выйдет. Несколько? И они – то, что ещё движет сцену.
Предвидя возражения, оговорюсь, что масса ужасной музыке популярна, а ещё бОльшая масса прекрасной музыки никому неизвестна. Почему так происходит? Зачастую талант компенсируется работоспособностью, но на нашей сцене я раз за разом натыкаюсь на группы, которые не хотят выкладываться ни в сочинительстве, ни в образе, ни в шоу или видеоклипах. Практически ни одна группа не желает сделать больше давно принятого в жанре среднего уровня.
Что я вижу ещё чаще? Любителей, играющих свою любительскую музыку с любительской подачей. Промоутеров, которые не столько бизнесмены, сколько фанаты. Людей, которые больше озабочены в компанейских попойках за сценой, чем в том, чтобы шоу было ярким и гладким. Хотите знать, что позволяет выживать сцене в Германии? Практичный подход. Они знают, что сцена – это не клуб по интересам, и они работают. Может показаться, что это противоречит общепринятому DIY-принципу, но DIY значит не «сделай своими руками», а «не жди отмашки – делай прямо сейчас и здесь!».
Как я сказал вначале, люди считают меня пессимистом, и, видя состояние нашей сцены, трудно таким не стать. Но всё же я вижу, что есть и хорошее: на подходе несколько отличных команд с убойной музыкой. Я стал встречать действительно талантливых промоутеров, а у молодёжи я вижу в глазах огонь, который не видел очень давно. Это даёт мне повод работать дальше. В индастриале ли суть? Нет. Лично я давно больше привязан к Beatles, чем к Throbbing Gristle. Слово «индастриал» потеряло для меня всякий смысл, это слово из лексикона хипстеров-элитистов, которые всегда будут недовольны и не станут трудиться пояснять нам почему. Суть в том, чтобы быть собой. Суть в том, чтобы найти настоящих себя и быть услышанными. Давайте найдём свою забытую страсть. Давайте построим новую эру тёмной и тяжёлой электроники. Довольно оглядываться в прошлое, наберитесь смелости и шагните в неизвестность, а навязшее бросьте в огонь. То, что останется – сделает нас лучше.
(перевод SufferSands, 2014)
На фиг индастриал!
Обычно я провожу будни одинаково: сижу перед компьютером, делаю ремиксы, пишу новые песни… Но иногда есть настроение полазать по Фейсбуку и посмотреть, что происходит в жизни моих 199 френдов. Сегодняшнее бестолковое рыскание в сети привело меня к статье в журнале «I Die:You Die», которая самым топорным способом вопит, что «на индустриальной сцене грядёт революция!» Автор видит её признаки во многих вещах, с некоторыми из которых я даже согласен, но его доводы о возрождении индустриальной сцены настолько наивны, что я решил набросать свои на эту тему мысли. Хотя я многим кажусь пессимистом, я вижу и светлые стороны жизни. И, как человек, объездивший полсвета и видевший нашу маленькую сцену с разных углов, мои мысли могут быть полезны.
Во-первых, я сразу скажу, что сегодня не очень близок т.н. «индустриальной сцене». Я вышел из тёмной электроники, она дала мне платформу, чтобы самовыразиться и сколотить свою группу. Но сначала, как и во многих других субкультурах, первое, с чем я столкнулся – это снобизм тех, кто полагает, будто принадлежность к закрытому сообществу делает тебя менее конформистом, чем интерес в мейнстриме. Я про то, что какие бы шмотки ты не одевал, какую бы музыку не слушал, если оно не отражает твой внутренний мир на все 100 процентов, то это всего лишь маска и обман. Пальцев не хватит, чтобы перечислить все те разы, когда ко мне презрительно обращались по поводу того, что я вполне позитивно отношусь к отдельному хип-хопу, и сколько раз на меня бросали мутные взгляды за попытки слушать Мадонну, чтобы настроиться на нужную волну. Я в принципе не могу понять такую ограниченность в людях, претендующих на широту взглядов.
Но меня несёт не туда. Я статью пишу, а не жалуюсь на сцену.
Так вот, автор той статьи предлагает 5 доводов, первый из которых – это открытие клуба Complex в Лос-Анджелесе как символ оживления индустриальной сцены. Во-первых, я люблю Complex, мне нравится его концепция и атмосфера. Я был там много раз, владелец клуба - мой хороший знакомый. Но давайте быть реалистами. Лос-анджелесская сцена всегда была отличной. С времён, когда я подделывал возраст на документах, чтобы попасть в Nocturne и Dungeon, и по сей день, когда Aesthetic Perfection собирает больше 800 человек в клубе Das Bunker (самое большое количество народа, какое нам когда-либо удавалось собрать!), я всегда вижу у публики энергию и энтузиазм. Так что открытие клуба Complex – это итог развития североамериканской сцены, а неё её начало. Я даже берусь утверждать, что если подобный клуб откроется где-то ещё, то быстро обанкротится.
Продолжается статья утверждением про наши фестивали. Лично мне хотелось спросить: «Э, а ты вообще бывал в Европе?» Ежегодное количество участников Wave Gothic Treffen – 20000 человек, M’Era Luna – 25000. Я участвовал во всех 3-х профильных фестивалях Америки. Я знаком со всеми их промоутерами, все они – прекрасные люди, готовые вкладывать деньги в сцены во имя высокой цели. И всё равно, ровнять наши и даже немецкие фестивали – абсолютно глупая затея.
Удивительный автор продолжает тем, что видит признаки грядущего оживления в возрождении классических групп колдвейва. Хотя мне радостно видеть, что старички ещё могуть дать жару, лично я бы предпочёл новые лица. Для заслуженных товарищей всегда найдётся заработок, учитывая их заслуги в прошлом, но наша цель – смотреть в будущее.
Следующим шагом статья утверждает, что возвращение Skinny Puppy на полностью индустриальный лейбл каким-то образом хорошо для сцены. Что их вера в лейбл – это признак его упрочившихся позиций. Лично мне кажется, что эти вещи вообще привязаны не к месту. Metropolis – самый подходящий лейбл для таких артистов, так что ничего удивительного в их контракте нет, можно расслабиться. Я знаю, что Metropolis предоставляет артистам такую свободу и поддержку, о которой можно только мечтать, а последний альбом SP вышел очень интересным. Так что я рад их союзу, но на состояние нашей сцены это не влияет, тем паче в контексте мировой сцены. И тут оказывается, что последний альбом Skinny Puppy не выйдет в Европе! Sonic Seducer цитирует издателя, что европейский слушатель больше не готов ни слушать, ни платить за эксперименты SP, поэтому SPV (немецкий музыкальный издатель) не лицензировал запись для распространения.
Примечание: мне сообщили, что последний альбом Skinny Puppy всё же выйдет в Европе силами более мелких энтузиастов.
Последний довод статьи был в том, что растущее поголовье любителей minimal synth, dark alternative, new new wave или как ещё зовут своё творчество эти хипстерские бригады, позитивно скажется и на нашей сцене. Моё предсказание – этого 100% не случится. Моё грубое наблюдение говорит мне, что мы имеем дело с хипстерами, а хипстеры ещё большие снобы и элитисты, чем завсегдатаи индустриальной сцены. Тот факт, что кому-то из нас нравится то, что делает кто-то из них, едва ли их обрадует. Я подозреваю, что как только на нашей сцене начнут заимствовать их трюки, хипстеры придумают что-то новое и удалятся ещё больше. В этом же и состоит суть бытия хипстеров! Другое моё подозрение подсказывает, что так к нам отнесутся большинство субкультур, и это одна из причин, по которой индустриальная сцена так замкнута и вот уже который год остановилась в развитии.
Вы удивитесь, если узнаете, насколько сильно изменится к вам отношение в негативную сторону, как только вы скажете, что играете индастриал. Вы удивитесь тому, как быстро ваше творчество откажутся рассмотреть в журнале, вы удивитесь, как быстро ваше демо отправится в помойку у авторов блогов вроде Pitchfork. Многим кажется, что это следствие ненависти толп к тяжёлой электронике. Но если мы посмотрим трезво, то увидим, что тяжёлая электроника расходится на ура. Skrillex – тяжёлая музыка, Trust – угрюмая, а Grimes – мрачная. Что на мой взгляд действительно нас сдерживает, так это ужасное качество большей части нашей музыки. Ужасно сведённая, ужасно сыгранная, с ужасным текстом – а задор, который нам это прощал, кончился ещё в 90-х и начале 0-х. Дизайн важнее смысла, эго важнее умеренности, тяга сказать своё слово нынче начисто раздавлена страхом не быть принятым сообществом. Попробуйте вспомнить другие жанры, в которых вокалист так мало значит для звучания группы. Попробуйте вспомнить индустриальные группы, по голосу вокалистов которых вы легко узнаете их из десятка подобных. Много вспомнить не выйдет. Несколько? И они – то, что ещё движет сцену.
Предвидя возражения, оговорюсь, что масса ужасной музыке популярна, а ещё бОльшая масса прекрасной музыки никому неизвестна. Почему так происходит? Зачастую талант компенсируется работоспособностью, но на нашей сцене я раз за разом натыкаюсь на группы, которые не хотят выкладываться ни в сочинительстве, ни в образе, ни в шоу или видеоклипах. Практически ни одна группа не желает сделать больше давно принятого в жанре среднего уровня.
Что я вижу ещё чаще? Любителей, играющих свою любительскую музыку с любительской подачей. Промоутеров, которые не столько бизнесмены, сколько фанаты. Людей, которые больше озабочены в компанейских попойках за сценой, чем в том, чтобы шоу было ярким и гладким. Хотите знать, что позволяет выживать сцене в Германии? Практичный подход. Они знают, что сцена – это не клуб по интересам, и они работают. Может показаться, что это противоречит общепринятому DIY-принципу, но DIY значит не «сделай своими руками», а «не жди отмашки – делай прямо сейчас и здесь!».
Как я сказал вначале, люди считают меня пессимистом, и, видя состояние нашей сцены, трудно таким не стать. Но всё же я вижу, что есть и хорошее: на подходе несколько отличных команд с убойной музыкой. Я стал встречать действительно талантливых промоутеров, а у молодёжи я вижу в глазах огонь, который не видел очень давно. Это даёт мне повод работать дальше. В индастриале ли суть? Нет. Лично я давно больше привязан к Beatles, чем к Throbbing Gristle. Слово «индастриал» потеряло для меня всякий смысл, это слово из лексикона хипстеров-элитистов, которые всегда будут недовольны и не станут трудиться пояснять нам почему. Суть в том, чтобы быть собой. Суть в том, чтобы найти настоящих себя и быть услышанными. Давайте найдём свою забытую страсть. Давайте построим новую эру тёмной и тяжёлой электроники. Довольно оглядываться в прошлое, наберитесь смелости и шагните в неизвестность, а навязшее бросьте в огонь. То, что останется – сделает нас лучше.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Суббота, 08.02.2014, 18:25
X3N0SyS
- Гости
мда... отличная тема!!!
Пока читаю... начал с конца)) Очень понравилось откровение Дэниела Грейвза насчет индастриала. Все так и есть.
От себя есть что добавить и написать, но чуть позже.
Пока читаю... начал с конца)) Очень понравилось откровение Дэниела Грейвза насчет индастриала. Все так и есть.
От себя есть что добавить и написать, но чуть позже.
SufferSands
- Гости
Том Шир, Assemblage 23
Итак, в последний раз я познакомил вас с осцилляторами, точкой отсчёта при программировании синтезаторов. Слушая классический синтезаторный звук, вы наверняка заметили, что звучит он довольно «узко» и скромно. Что нам сделать, чтобы звук стал шире, сложнее и жирнее?
Для нашей помощи большинство нынешних синтезаторов оснащены несколькими осцилляторами одновременно (2-3 в среднем). Это может нам пригодиться для эффекта, который называется «DETUNE», тональное смещение. Обычно тональность осцилляторов меняется посредством трёх контроллеров разной степени грубости: OCTAVE (октава), SEMI (полутон) и FINE (тонкая настройка).
Помните, я говорил, что производители любят давать разные имена одному и тому же? Здесь тот же случай. На старых синтезаторах вместо настройки OCTAVE (октавы) вы обнаружите странные метки 32’, 16’, 8’, 4’, и 2’. Это привет из органной игры, в которой высота получаемого тона зависит от длины трубы, из которой выдувается воздух. Чем длиннее труба (выше значение настройки), тем ниже тон. Подобный контроллер позволяет сдвигать тон звука на 12 полутонов (т.е. октаву).
Всё это хорошо, но что если я хочу сдвинуть тон не только на октаву? Тут на помощь приходит настройка SEMI (иногда называемая COARSE). Она позволяет сдвинуть тон осциллятора на нужное количество полутонов (их ещё зовут нотами) относительно основного, посылаемого по MIDI. Это позволит, смещая тон осцилляторов, нажатием одной клавиши играть целые интервалы, а то и, при наличии нужного количества осцилляторов, целыми аккордами. Подобная техника активно используется в техно и хаусе.
Описанные выше контроллеры позволяют грубо настроить атональность, но вещи становятся ещё интереснее, когда мы настраиваем тональность через FINE (иногда называемая CENTS или DETUNE). Она позволяет смещать тон на одну сотую ноты. С помощью настолько тонкой настройки можно сделать по-настоящему жирный звук, а в разных количествах этот эффект может дать нам всё, что угодно, от хоруса и ультрашироких трансовых лидов до абсолютно диссонантных звуков. Многие синтезаторы ограничивают возможность эффекта DETUNE до пределов, в которых музыкальность ещё не теряется, но серьёзные аппараты позволяют использовать эффект без ограничений.
Некоторые синтезаторы имеют т.н. SUBOSCILLATOR. Субосциллятор – это дополнительный и крайне простой осциллятор, назначение которого – играть на одну или две октавы ниже основного. Это почти всегда очень простая волна вроде треугольника или синусоиды. Зачем оно нужно? Включение субосциллятора немедленно утяжеляет сигнал синтезатора, добавляет дополнительный гул в басах.
Разумеется, что если осциллятор не один, нам понадобится некий микшер, чтобы добиться между ними баланса. Тут нам пригодится секция MIXER (иногда называемая AMP), в которой можно установить громкость каждому осциллятору, а то и, если синтезатор стереофонический, панораму.
Зная уже это перед нами открываются большие просторы дизайна. Если вспомнить, что можно менять волну осциллятора, то возможности видятся вовсе безграничными, особенно если ты работаешь не на классике, а на современном аппарате. И это мы не добрались до секции фильтров или модуляций!
Некоторые синтезаторы предлагают дополнительные опции для взаимодействия осцилляторов, вроде OSCILLATOR FM, RING MODULATION или HARD SYNC, но это отдельная тема, с которой мы разберёмся позже.
(перевод SufferSands, 2014)
Итак, в последний раз я познакомил вас с осцилляторами, точкой отсчёта при программировании синтезаторов. Слушая классический синтезаторный звук, вы наверняка заметили, что звучит он довольно «узко» и скромно. Что нам сделать, чтобы звук стал шире, сложнее и жирнее?
Для нашей помощи большинство нынешних синтезаторов оснащены несколькими осцилляторами одновременно (2-3 в среднем). Это может нам пригодиться для эффекта, который называется «DETUNE», тональное смещение. Обычно тональность осцилляторов меняется посредством трёх контроллеров разной степени грубости: OCTAVE (октава), SEMI (полутон) и FINE (тонкая настройка).
Помните, я говорил, что производители любят давать разные имена одному и тому же? Здесь тот же случай. На старых синтезаторах вместо настройки OCTAVE (октавы) вы обнаружите странные метки 32’, 16’, 8’, 4’, и 2’. Это привет из органной игры, в которой высота получаемого тона зависит от длины трубы, из которой выдувается воздух. Чем длиннее труба (выше значение настройки), тем ниже тон. Подобный контроллер позволяет сдвигать тон звука на 12 полутонов (т.е. октаву).
Всё это хорошо, но что если я хочу сдвинуть тон не только на октаву? Тут на помощь приходит настройка SEMI (иногда называемая COARSE). Она позволяет сдвинуть тон осциллятора на нужное количество полутонов (их ещё зовут нотами) относительно основного, посылаемого по MIDI. Это позволит, смещая тон осцилляторов, нажатием одной клавиши играть целые интервалы, а то и, при наличии нужного количества осцилляторов, целыми аккордами. Подобная техника активно используется в техно и хаусе.
Описанные выше контроллеры позволяют грубо настроить атональность, но вещи становятся ещё интереснее, когда мы настраиваем тональность через FINE (иногда называемая CENTS или DETUNE). Она позволяет смещать тон на одну сотую ноты. С помощью настолько тонкой настройки можно сделать по-настоящему жирный звук, а в разных количествах этот эффект может дать нам всё, что угодно, от хоруса и ультрашироких трансовых лидов до абсолютно диссонантных звуков. Многие синтезаторы ограничивают возможность эффекта DETUNE до пределов, в которых музыкальность ещё не теряется, но серьёзные аппараты позволяют использовать эффект без ограничений.
Некоторые синтезаторы имеют т.н. SUBOSCILLATOR. Субосциллятор – это дополнительный и крайне простой осциллятор, назначение которого – играть на одну или две октавы ниже основного. Это почти всегда очень простая волна вроде треугольника или синусоиды. Зачем оно нужно? Включение субосциллятора немедленно утяжеляет сигнал синтезатора, добавляет дополнительный гул в басах.
Разумеется, что если осциллятор не один, нам понадобится некий микшер, чтобы добиться между ними баланса. Тут нам пригодится секция MIXER (иногда называемая AMP), в которой можно установить громкость каждому осциллятору, а то и, если синтезатор стереофонический, панораму.
Зная уже это перед нами открываются большие просторы дизайна. Если вспомнить, что можно менять волну осциллятора, то возможности видятся вовсе безграничными, особенно если ты работаешь не на классике, а на современном аппарате. И это мы не добрались до секции фильтров или модуляций!
Некоторые синтезаторы предлагают дополнительные опции для взаимодействия осцилляторов, вроде OSCILLATOR FM, RING MODULATION или HARD SYNC, но это отдельная тема, с которой мы разберёмся позже.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Четверг, 13.02.2014, 10:43
SufferSands
- Гости
Том Шир, Assemblage 23
(image)
Делаем бас в стиле EBM.
Забавно, что многие жанры электронной музыки легко определить по используемому басу. Стал бы драмнбейс собой без грубого фильтрованного баса? Стал бы эйсид собой без 202 или 303? Появился бы дабстеп без LFO-воблы?
Сегодня я расскажу, как сделать бас в стиле EBM. Жанр использует короткий, жирный бас с перкуссионным элементом, чтобы его можно было легко класть в угрюмые мелодические ряды из 16-х нот. То, что мы сегодня сделаем, даст нам основу классического индустриального баса, двигаясь от которого можно сделать свой вариант, оставаясь веным жанру.
1. Во-первых, найдите синтезатор, поддерживающий PWM и унисон. Лично я буду использовать Korg Polysix, потому что это отличный классический синтезатор и у него есть отличная эмуляция на ПК. Перед экспериментом можете написать короткую басовую партию. Лично мне проще слышать, как изменяется звук, сразу.
2. По умолчанию синтезатор использует пилу, но она не даёт нужный жирный звук, поэтому сразу переводите синтезатор в режим PWM (на других аппаратах может называться SQUARE или PULSE). Сначала звук будет глуховат. Поставьте скорость PWM (PWM SPEED) примерно на 6 (на других синтезаторах это может быть 60% или перевод в среднее положение смены скорости того LFO, которое управляет шириной пульсаций PWM). Теперь звук жирнее.
3. CUTOFF следует сделать меньше, но не до нуля, а интенсивность EG (EG INTENSITY) поднять примерно до 75 процентов. EG определяет, насколько фильтр открывается при начале ноты, 75 процентов дадут нам высокочастотный щелчок в атаке.
4. Если вы используете Polysix, то в нём настройки огибающей уже подходящее. В противном случае ставьте минимальное время атаки (ATTACK), DECAY примерно на треть, SUSTAIN и RELEASE на ноль.
5. Последним шагом включите UNISON. Эффект играет несколько копий основного сигнала немного не в тон к основному. Это добавит жира ещё больше. Включите 2 исходящих сигнала (VOICES), UNISON DETUNE поднимите примерно до середины. Если есть желание, можете поднять SPREAD - стереоразброс сигнала. Бас обычно остаётся в моно, но если того требует задача, его можно сделать шире.
6. Наконец, поднимите ANALOG до середины. Это включит симуляцию искажений волны, характерных для классических синтезаторов, работающих от сети.
(перевод SufferSands, 2014)
(image)
Делаем бас в стиле EBM.
Забавно, что многие жанры электронной музыки легко определить по используемому басу. Стал бы драмнбейс собой без грубого фильтрованного баса? Стал бы эйсид собой без 202 или 303? Появился бы дабстеп без LFO-воблы?
Сегодня я расскажу, как сделать бас в стиле EBM. Жанр использует короткий, жирный бас с перкуссионным элементом, чтобы его можно было легко класть в угрюмые мелодические ряды из 16-х нот. То, что мы сегодня сделаем, даст нам основу классического индустриального баса, двигаясь от которого можно сделать свой вариант, оставаясь веным жанру.
1. Во-первых, найдите синтезатор, поддерживающий PWM и унисон. Лично я буду использовать Korg Polysix, потому что это отличный классический синтезатор и у него есть отличная эмуляция на ПК. Перед экспериментом можете написать короткую басовую партию. Лично мне проще слышать, как изменяется звук, сразу.
2. По умолчанию синтезатор использует пилу, но она не даёт нужный жирный звук, поэтому сразу переводите синтезатор в режим PWM (на других аппаратах может называться SQUARE или PULSE). Сначала звук будет глуховат. Поставьте скорость PWM (PWM SPEED) примерно на 6 (на других синтезаторах это может быть 60% или перевод в среднее положение смены скорости того LFO, которое управляет шириной пульсаций PWM). Теперь звук жирнее.
3. CUTOFF следует сделать меньше, но не до нуля, а интенсивность EG (EG INTENSITY) поднять примерно до 75 процентов. EG определяет, насколько фильтр открывается при начале ноты, 75 процентов дадут нам высокочастотный щелчок в атаке.
4. Если вы используете Polysix, то в нём настройки огибающей уже подходящее. В противном случае ставьте минимальное время атаки (ATTACK), DECAY примерно на треть, SUSTAIN и RELEASE на ноль.
5. Последним шагом включите UNISON. Эффект играет несколько копий основного сигнала немного не в тон к основному. Это добавит жира ещё больше. Включите 2 исходящих сигнала (VOICES), UNISON DETUNE поднимите примерно до середины. Если есть желание, можете поднять SPREAD - стереоразброс сигнала. Бас обычно остаётся в моно, но если того требует задача, его можно сделать шире.
6. Наконец, поднимите ANALOG до середины. Это включит симуляцию искажений волны, характерных для классических синтезаторов, работающих от сети.
(перевод SufferSands, 2014)
Сообщение отредактировал SufferSands - Суббота, 15.02.2014, 08:53
Доступ закрыт.
- Вам запрещено отвечать в темах данного форума.
Последние темы
- Ищу напарника для создания треков в... Автор: YakimSPB 12:05, 24.09.2026
- Совместное творчество Автор: YakimSPB 11:35, 24.09.2026
- ищу преподавателя по NEWTIME Автор: Ova 16:04, 18.09.2026
- Ищу музыканта Автор: AoSan 04:14, 10.08.2026
- При подключении гитары накатывается... Автор: Павелбким 23:20, 18.02.2026
- Ошибки в менеджере плагинов Автор: sasa170898 19:29, 13.09.2025
Популярные статьи
- Atlantic - Evil city 16:57, 21.03.2026
- FL Studio 21 15:25, 03.11.2025
-
Устали от дубликатов музыки на вашем...
14:14, 26.08.2025
-
Лучшие бесплатные видеоредакторы для MacOS
16:41, 18.08.2025
- World peace 11:16, 08.02.2025
- Meffis - demo 2025 (без мастеринга) 12:15, 04.02.2025
Изменения статуса
- Никто не менял личный статус.